Das Shakespeare & Company Projekt

Shakespeare & Company Paris öffnet das Archiv

Das Projekt zur Digitalisierung von Schallplatten aus der Buchhandlung und Leihbibliothek Shakespeare &  bietet einen Einblick in Paris während des Jazzzeitalters und enthüllt die literarischen Vorlieben literarischer Titanen wie Hemingway , James Joyce und Gertrude Stein .

Die handgeschriebenen Karten zeigen, dass Hemingway 1925, Jahrzehnte bevor er seinen Roman „Der alte Mann und das Meer“ schrieb , Joshua Slocums Memoiren „Alleine um die Welt segeln“ auslieh. Und die Aufzeichnungen, die von den Angestellten des Geschäfts gekritzelt wurden, zeigen, wie Stein intellektuelle Bestrebungen mit leichteren Lesarten in Einklang brachte, darunter TH Crosfields historische Romanze „A Love in Ancient Days“ und Andrew Soutars „Fantasy Equality Island“.

Als Sylvia Beach 1919 Shakespeare and Company eröffnete, waren englischsprachige Bücher in Paris teuer und schwer zu finden. Schriftsteller und Künstler, die in die Hauptstadt der literarischen Moderne gekommen waren, beeilten sich, sich für den Bibliotheksdienst von Beach anzumelden. Zusammen mit Hemingway und Stein wurden Schriftsteller von Aimé Césaire bis Simone de Beauvoir , Jacques Lacan, Walter Benjamin und Joyce Mitglieder – und wären mit einer Zeichnung eines verärgerten Shakespeare, der sich die Haare ausreißt, für späte Rückkehr gejagt worden .

Beach veröffentlichte 1922 den umstrittenen Roman Ulysses von Joyce und hielt den Laden bis 1941 offen, als sie geschlossen werden musste, nachdem sie sich geweigert hatte, ihr letztes Exemplar von Joyces Finnegans Wake an einen Nazioffizier zu verkaufen . George Whitman eröffnete 1951 eine neue Inkarnation des Geschäfts , und Beachs Papiere wurden 1964 von der Princeton University erworben. Die Universität arbeitet seit 2014 daran, Aufzeichnungen aus dem riesigen Archiv zu digitalisieren, das 180 Kartons umfasst, und sie Forschern online zur Verfügung zu stellen Zum ersten Mal im Rahmen des Shakespeare and Company-Projekts .

Joshua Kotin, außerordentlicher Professor für Englisch in Princeton und Projektleiter, sagte, Beach sei ein „akribischer, obsessiver Protokollführer“ und „wir entwickeln erst jetzt digitale Tools, mit denen wir das Potenzial des Archivs verstehen und realisieren können“. .

„Es gibt noch so viele Schätze zu entdecken. Wenn Sie alle Papiere im Archiv stapeln, wäre dies ein 78-Fuß-Turm “, sagte er. „Ich finde immer noch Schätze – zum Beispiel habe ich kurz vor der Pandemie ein Manuskript für George Antheil’s Ballet Mécanique (1924) gefunden, das Antheil Beach gegeben hat.“

Aus den Aufzeichnungen geht hervor, dass Hemingway mehr als 90 Bücher ausgeliehen hat, von PT Barnums Autobiografie bis zu Lady Chatterleys Liebhaber, die er im September 1929 acht Tage lang überprüfte – dem Jahr, in dem DH Lawrences Roman 30 Jahre vor seiner Veröffentlichung in den USA erstmals in Frankreich erschien . 1926 lieh er sich eine Kopie von Tom Jones ‚Stierkampf aus –  der Stierkampf spielte eine zentrale Rolle in seinem Roman „The Sun Also Rises“ von 1926 . Er kaufte auch eine Kopie seines eigenen Romans „A Farewell to Arms“ im Laden.“Wir wollen Genie verstehen“, sagte Kotin. „Hilft uns das, was Hemingway liest, zu verstehen, was er geschrieben hat und warum es so großartig ist? Es ist auch faszinierend, unsere alltäglichen Praktiken – was wir aus unserer örtlichen Bibliothek ausleihen, was sich in unserem Amazon-Einkaufswagen befindet – mit den Praktiken von Menschen in der Vergangenheit zu verbinden. Und es ist illegal, darüber zu lernen, was und wie Menschen lesen – wir lernen über eine sehr private, einsame Aktivität. “

Einige der Aufzeichnungen, sagte er, „erzählen eine überraschende oder ergreifende Geschichte“. Kurz vor seinem Tod lieh sich Walter Benjamin zwei Bücher aus: ein deutsch-englisches Wörterbuch und Lord Bacons physikalische und metaphysische Werke. Als Frankreich an die Deutschen fiel, floh Benjamin aus Paris, tötete sich jedoch im September 1940, nachdem die spanische Polizei ihm mitgeteilt hatte, dass er der Gestapo übergeben werden würde.

Das Archiv stellt unerwartete Verbindungen her, fuhr Kotin fort, Jacques Lacan leiht sich ein obskures Buch über die irische Geschichte aus, weil er Joyce’s Ulysses liest; Claude Cahun – unter dem Namen Mlle Lucie Schwob – liest Henry James; Gertrude Stein liest Fantasy-Romane.  “

Die American Library Association verlangt von Bibliotheken, dass sie Benutzerdatensätze vernichten, um ihre Privatsphäre zu schützen. Shakespeare and Company war nicht mit der ALA verbunden, und Beach behielt alles. „Sie hätte wahrscheinlich ihre Unterlagen zerstören sollen“, sagte Kotin, „aber ich bin froh, dass sie es nicht getan hat.“

„

Shakespeare war nicht allein: Christopher Marlowe als Co-Autor entdeckt

Es war schon seit dem 18. Jahrhundert vermutet worden, dass William Shakespeare möglicherweise nicht der alleinige Autor der Komödie „The Taming of the Shrew“ (Der Widerspenstigen Zähmung) gewesen sei.

Nun hat Professor John V. Nance von der „New Oxford Shakespeare“ Forschungsgruppe einen Beweis geliefert. Das Forschungsteam untersucht seit Jahren die verfügbaren Texte aller britischen Theater-Autoren der Jahre 1576 bis 1594 – vorerst noch zeitraubend mittels individuellen Textvergleichen, aber seit kurzem auch vollautomatisch digitalisiert – auf Übereinstimmungen in der Wahl signifikanter Worte und Redewendungen.

„Das neue System wird ca. 500 Worte pro Sekunde analysieren können, das hat bisher mindestens einige Wochen gedauert“, berichtete Nance dem britischen „Guardian“. „Wir können nun ein Theaterstück binnen einer Woche analysieren“.

Die gefundenen Übereinstimmungen mit den Texten von Christopher Marlowe beziehen sich auf die dritte Szene des Stücks.

Der Aufsatz von Professor Nance wird demnächst in einer Buchveröffentlichung im Cambridge-Verlag erscheinen.

Quelle: The Guardian, 15.4.2020

Murder most foul“ -Bob Dylan’s neuer song über das Attentat auf John F. Kennedy

17 Minuten zurück in die bösen, wilden  Sixties

Bob Dylan – Murder most foul

Bob Dylans neuer song über das Kennedy-Attentat

In „Murder Most Foul“ besingt der Literatur-Nobelpreisträger zunächst das mörderische Attentat auf den populären US-Präsidenten John F. Kennedy vor 57 Jahren – ein verheerendes amerikanisches Trauma, das weit über diese Ära hinausging: „Es war ein schwarzer Tag in Dallas, im November 1963. Der Tag, der für immer mit Schande verbunden sein wird“, raunt Dylan in seinem typischen Sprechgesang zu dezenter Piano- und Streicherbegleitung. Und weiter: „Ein guter Tag zum Leben und ein guter Tag zum Sterben.“

Von den Beatles über Woodstock bis zu John Lee Hooker, Marilyn Monroe und Charlie Parker – mit vielen bekannten Künstlernamen, Liedtiteln und Ereignissen garniert Dylan danach liebevoll seine formidable Beschreibung des Lebensgefühls der Sixties.

Seine Stimme klingt oft zärtlich bei all diesen Erinnerungen – sie hat nichts vom nasalen Keifen und wütenden Bellen, mit dem der Sänger bei Konzerten gern mal seine altbekannten, den Fans fast heiligen Songs zerrupft. „Murder Most Foul“ – das ist Storytelling auf höchstem Niveau, ohne dass sich in dem refrainlosen Lied musikalisch viel ereignet.

das kennedy-attentat 1963 in Dallas

David Hockney bei Taschen

David Hockney – my window

In diesem Künstlerbuch mit 120 iPhone- und iPad-Zeichnungen verfolgt David Hockney den Verlauf der Jahreszeiten durch das Fenster seines Hauses in Yorkshire . Jedes Bild zeigt einen flüchtigen Moment – vom farbenfrohen Sonnenaufgang und dem lila Morgenhimmel bis zu nächtlichen Eindrücken, schneebedeckten Zweigen und der Ankunft des Frühlings. In großem Format gedruckt , ist dies ein sehr einfühlsames und poetisches Werk .

Collector’s Edition (Nr. 1.001–2.000), jeweils signiert von David HockneyDavid Hockney , Hans Werner HolzwarthGebundene Ausgabe in Clamshell-Box , 38,5 x 50 cm, 11,74 kg, 248 Seiten

• 

John le Carré  enthüllt seine Verachtung für die britische politische Klasse

John le Carrés scharfe Verachtung für die britischen Politiker wird in einem ätzenden Brief an einen amerikanischen Freund angezeigt, der zur Versteigerung kommt, bei dem er die Tories, die Liberaldemokraten und die Labour gleichermaßen verachtet .

Der handschriftliche Brief an einen Geburtshelfer aus Maine wurde vom Autor im August 2010 geschrieben, nachdem die konservative Partei bei den Parlamentswahlen keine Mehrheit gefunden hatte und eine Koalition mit den Liberaldemokraten gebildet hatte. Oder wie Le Carré es treffend ausdrückte:

„Die Eton-Leute haben den Laden mit Hilfe einiger unerfahrener Liberaler der zweiten Liga zurückgenommen, die in kurzer Zeit in ihrer eigenen heißen Luft verdampfen  werden und den Laden einem Haufen von Ivy-League-Tories überlassen, die wiedergeborene  PR-Männer, Sexisten, Anti-Europäer, Nostalgiker und Öko-Spinner sind „

Der Brief an Willard J. Morse schont nicht die Labour Party von damals, die von Le Carré als eine „verschwenderische Regierung“ beschrieben wird,  „sie wurde von einem schlechten schottischen Schweinchen (Blair) und einem unglücklichen schottischen Schwein (Brown) geführt, der das Sparschwein der kleinen Leute leerte, während sie dabei waren „.

Le Carré, der sich selbst als „radikaler im Alter als je zuvor“ bezeichnet hat, hat in der Vergangenheit darüber gesprochen, wie begeistert er war, als Labour 1997 gewählt wurde, aber von Tony Blairs Partei schnell desillusioniert wurde. „Wir haben kein einziges Mitglied der Blair-Regierung, das einen öffentlichen Einspruch gegen den ökologischen Ruin erhoben hat, den George W. in den Vereinigten Staaten durchsetzenwird„, sagte er 2001 in einem Interview und fügte hinzu: „Ich dachte, Blair wäre ein Lügner, als er leugnete ein Sozialist zu sein . Das Schlimmste, was ich über ihn sagen kann, ist, dass er die Wahrheit gesagt hat. „

Er endet mit einer Verurteilung des verstorbenen Schriftstellers Christopher Hitchens, den Le Carré als „wirklich verhassten kleinen Zwerg“ oder „was unsere Lehrer früher LMF nannten – niedrige moralische Faser oder Scheiße“ beschreibt. Hitchens war ein lautstarker Befürworter des Irakkrieges, gegen den sich Le Carré bei Antikriegsmärschen und seinem Schreiben im Jahr 2003 gewandt hatte:

„Amerika ist in eine seiner Perioden des historischen Wahnsinns eingetreten, aber das ist das Schlimmste, an das ich mich erinnern kann, schlimmer als McCarthyismus, schlimmer als die Schweinebucht und auf lange Sicht potenziell verheerender als der Vietnamkrieg „. 

Während seine neueren Thriller oft zeitgenössische Themen berührt haben – sein 2008 Roman A Most Wanted Man wurde von Kritikern als eine direkte Kritik an US-Präsident George W. Bushs Politik  gesehen – Le Carré hat immer davon Abstand genommen hat, Polemiken zu schreiben, und sagte, dass er erkennt, dass seine Leser aufhören werden, seine Romane zu lesen, wenn er zu politisch wird.

 „Geschichte und Charakter müssen an erster Stelle stehen. Aber ich bin jetzt so wütend, dass ich eine Menge Zurückhaltung üben muss, um ein lesbares Buch zu produzieren.“

Das Zeitalter der Erkenntnis

Wissenschaft und Kunst im Dialog

Eric Kandel erforscht die Wiener Moderne

Das Zeitalter des Erkennens

..ist eine akribische  Erforschung  der komplexen Wechselbeziehungen zwischen Kunst und Wissenschaft. Der Nobelpreisträger Eric Kandel vertritt hier eine Renaissance des Dialogs zwischen Kunst und Wissenschaft und beschreibt die Ergebnisse solcher Kollaborationen mittels seiner tiefgreifende Auseinandersetzung mit der Wiener Moderne.

Dieser brillante Text  ist eine Verbindung von der Kunst von Gustav Klimt, Oskar Kokoschka und Egon Schiele, auch bekannt als Wiener Moderne, und seinem eigenen Lebenswerk in der Neuropsychiatrie. Kandel wurde 1929 in Wien geboren und zog 1939 nach Brooklyn, New York. Im Jahr 2000 erhielt er den Nobelpreis für Physiologie oder Medizin für seine Forschung zur Gedächtnisspeicherung in Neuronen. Während der Vorbereitung auf einen Vortrag im Jahr 2001 brachte Kandel  erstmals die Wiener Modernisten mit der Wiener Schule für Medizin und Psychoanalyse in Verbindung. Die Prämisse von  Das Zeitalter des Erkennens  wurde an diesem Tag  öffentlich präsentiert.

Kandel umreißt mit diesem erstaunlichen Werk seine Vision, einen kontinuierlichen Dialog zwischen Kunst und Wissenschaft zu ermöglichen. Der Wissenschaftler  plädiert für die Konvergenz verschiedener Studien auf der Suche nach einer kontinuierlichen Weiterentwicklung unseres Verständnisses der Geisteswissenschaft (das Ergebnis der Verschmelzung von Kognitionspsychologie und Neurowissenschaft) und der kreativen  Bereiche. Kandel schlägt vor:

„Solche Dialoge könnten uns helfen, die Mechanismen im Gehirn zu erforschen, die Wahrnehmung und Kreativität ermöglichen, sei es in der Kunst, den Wissenschaften, den Geisteswissenschaften oder im Alltag. In einem erweiterten Sinn könnte dieser Dialog dazu beitragen, dass Wissenschaft Teil unserer gemeinsamen kulturellen Erfahrung wird „. 

Er benutzt Wien in den frühen 1900er Jahren, um zu zeigen, wie reich und kooperativ ein solcher Dialog sein kann, der zu neuen Einsichten nicht nur in der Wissenschaft, sondern auch in der Kunst führte.

Das Argument für eine Auferstehung der Dialoge der Wiener Moderne ist durchaus diskutabel. In der Tat ist Kandels Abhandlung auf  knapp 700 Seiten von  vielen gut recherchierten, geprüften und beredten Beispielen dafür, wie verschiedene Disziplinen die Erschließung neuer Grundlagen in anderen Disziplinen inspiriert haben. Kandel baut sein Modell sorgsam Schicht um Schicht und schafft ein tiefes, reiches Mosaik, das Künstler, Philosophen, Psychologen, Psychoanalytiker, Neurowissenschaftler und Schriftsteller miteinander verbindet, um zu demonstrieren, wie sie sich  in ihrem scheinbar getrennten Arbeitsfeldern  gegenseitig  positiv beeinflusst  und inspiriert haben.

Jedes Kapitel baut auf den Beweisen auf, die er im vorherigen Kapitel geliefert hat. Die Fertigstellung eines Kapitels gibt dem  Leser einen Vorgeschmack auf das, was im nächsten folgen wird. Selbst wenn er tief in die Erklärung der Funktionsweise des menschlichen Gehirns vertieft ist, lässt Kandel kleine Edelsteine ​​fallen, etwa wenn er den Prozess des Sehens beschreibt, erklärt er wie das Gehirn interpretiert, was wir als „keine Kamera, sondern ein homerischer Geschichtenerzähler“ sehen.

Die ersten Kapitel sind eine fesselnde Geschichte der drei Künstler Klimt, Kokoschka und Schiele, komplett mit den  Bildern ihrer Werke, die Kandel im gesamten Buch erforscht und zitiert. Ihr Stil und ihre Einflüsse einschließlich Biologie, Medizin und Psychoanalyse werden umfassend erforscht. Es wird außerdem untersucht, wie die Erfindung und Popularität der Fotografie die Künstler  hinderte, weiterhin Gemälde von Porträts und Landschaften anzufertigen, es wird klar, wie diese Entwicklung den Künstlern die Freiheit gab, sich dem Selbst und dem  Wesen des Unbewussten zuzuwenden. In der Folge ging jeder dieser drei Künstler seinen  ganz eigenen Weg, um die inneren Abläufe des Geistes zu erforschen und kennenzulernen.

Doch die Künstler waren nicht die einzigen, die zu dieser Zeit das unbewusste Wirken von Geis und Psyche in Wien erforschten. Im Spannungsfeld zwischen Leben und Werk von Klimt, Kokoschka und Schiele ist der bahnbrechende Einfluss von Sigmund Freud und seinem genialen Verständnis des Unbewussten verwoben. Freuds Beiträge zu unserem Verständnis des Geistes werden umfassend untersucht, und Kandel bezieht sich auf Freuds nachhaltigen Einfluss auf die Welt der Psychologie und die Wissenschaft des Gehirns. Kandel stellt nahezu eine Parallele zum Werk Freuds her und seiner Arbeit mit der der Wiener Moderne und untersucht penibel, wie  damals die Wissenschaftler und Künstler das Unbewusste erforschten.

Kandel zeichnet in diesem umfangreichen Text ein klares Bild des wechselseitigen Einflusses zwischen Kunst und Wissenschaft, indem er die Wiener Moderne als Vorbild und Anker im ganzen Buch verwendet. Auf diesem sicheren Fundament führt Kandel den Leser  in die 1930er Jahre und beschreibt, wie die Kognitionspsychologie mit der Entwicklung einer kognitiven Psychologie der Kunst oder

„einer interdisziplinären Wahrnehmungs- und Emotionspsychologie in die Kunstgeschichte eingeflochten wurde mit der Idee, dass sie  letztlich den Weg für einen biologischen Zugang zu Wahrnehmung, Emotion und Empathie bereiten können“. 

Dies kam schließlich zum Tragen, da die Zusammenarbeit zwischen Gehirnbiologie und kognitiver Psychologie zu einem besseren Verständnis dessen geführt hat, wie wir Kunst sehen und darauf reagieren. Kandel erklärt, dass die Wissenschaft Beweise dafür liefert, wie wir auf Kunst reagieren, aber dass Kunst

„Einblicke erlaubt, wie sich eine bestimmte Erfahrung anfühlt. Ein Gehirn-Scan kann die neuralen Anzeichen einer Depression zeigen, aber eine Beethoven-Symphonie zeigt, wie sich diese Depression anfühlt. Beide Perspektiven sind notwendig, wenn wir die Natur des Geistes vollständig erfassen wollen, aber sie werden nur selten zusammengebracht“. 

Der Leser wird  mit einem neuen und tieferen Verständnis dafür belohnt, wie wir Gefühle wahrnehmen, verarbeiten, Informationen verarbeiten und  Kunst sehen und darauf reagieren.

Eine der faszinierendsten Erkundungen und  ist die Wissenschaft bezüglich der Rezeption eines Kunstwerk. Der Betrachter ist seit langem eine bekannte Größe im Kunstverständnis. Künstler wie Leonardo da Vinci haben die kritische Rolle des Betrachters erkannt. In Wien der 1930er Jahre haben Kunsthistoriker das Konzept des Anteils des Betrachters ausgearbeitet und eine neue Theorie über die Rolle des Betrachters entwickelt. In den letzten zwei Jahrzehnten, mit Fortschritten in der Neurowissenschaft, haben wir jetzt ein noch klareres Bild davon, wie man Kunst betrachtet und darauf reagiert.

In Erforschung der Wiener Moderne bemerkt Kandel, wie die Künstler die Beziehung zum Betrachter verändern wollten: als die Künstler ihr eigenes Unbewusstes erforschten, Klimt und die Wiener Moderne versuchten, die Beziehung zum Betrachter zu verändern, indem sie den

„Zuschauern Kunst und sich selbst in einer neuen, emotional introvertierteren Art und Weise näher brachten, dass sie Psyche des Dargestellten erkennen konnten und somit auch die unbewussten Ängste und Triebe in jedem erfahrbar machten „.

Der Autor beschreibt die historischen Schritte, die zu aktuellen Erkenntnissen in der Wissenschaft des Geistes führten,  und er führt damit zu einem besseren Verständnis dessen, wie wir heute Kunst wahrnehmen.  Durch die eingehende Erforschung des menschlichen Gehirns illustriert er den Text noch einmal nachhaltig und verweist fortwährend auf die Werke der Wiener Moderne.  Der Leser erfährt viel neues zu den bahnbrechenden Werken von Klimt, Kokoschka und Schiele, während  der Text detailliert beschreibt, wie das Gehirn die verschiedene Aspekte eines Kunstwerks wahrnimmt.

Der Autor zeigt auf, wie Künstler, einschließlich Klimt, Kokoschka und Schiele, und sogar Künstler vor ihnen ein tieferes Verständnis davon hatten, wie wir als Betrachter die Kunst sehen und erleben, bevor die Wissenschaft überhaupt Beweise dafür hatte. So wurden beispielsweise Porträts von Kokoschka und Schiele, seien es Selbstporträts oder Porträts von anderen, häufig mit direktem Blickkontakt gemalt. Kandel erklärt uns nun mit seiner Wissenschaft, dass dies das Gehirn dazu zwingt, anders zu reagieren, als wenn man auf ein Porträt schaut, in dem die Augen des  Portaitierten  nicht auf den Betrachter fokussiert sind. Mit solchen , scheinbar nebensächlichen Beispielen bringt Kandel die Welt der Neurowissenschaft  der Welt der Kunst näher;  sie illustrieren deutlich, wie die Künstler oft intuitiv wussten, was die Wissenschaft soeben erst entdeckt.

Kokoschka griff in seinen Gemälden und Porträts eher auf den emotionalen Gebrauch von Farbe als auf den konventionellen, realistischen Farbgebrauch zurück und erhöhte damit gezielt und bewusst die emotionale Wirkung seiner Bilder auf den Betrachter

Der Autor hält fest, dass

„Kunst ein lustvoller und lehrreicher Versuch des Künstlers und des Betrachters ist, miteinander zu kommunizieren und den kreativen Prozess zu teilen, der jedes menschliche Gehirn charakterisiert – ein Prozess, der zu einem Aha-Erlebnis führen kann. Diese plötzliche Erkenntnis, die uns erlaubt, die Wahrheit zu sehen, die sowohl der Schönheit als auch der Hässlichkeit zugrunde liegt, wie sie der Künstler darstellt „

Der Leser sollte sich nicht von Kandels dickem Buch einschüchtern lassen. Er schreibt sehr eloquent und mit  viel Humor. Die Funktionsweise des  menschlichen Gehirns kann ziemlich technisch-funktional sein, aber der Kern dieses  nun auch als Tachenbuch erschienenen Werks und die hier offengelegten wissenschaftlichen  Erkenntnisse und Einsichten sind für jeden lesenswert, der neugierig und bereit ist, einige Zeit mit diesem wunderbaren Buch  zu verbringen, um zu erfahren, wie menschlicher Geist und Verstand funktionieren und was das für die Rezeption von Kunst bedeutet.

Akt von Egon Schiele und sein Betrachter

Eric Kandel – Das Zeitalter der Erkenntnis – Pantheon Verlag – 700 Seiten – ISBN 978-3-570-55241-4

Anita Ree

Anita Rée  Das Werk

Anita Ree ist eine der faszinierenden und rätselhaften Künstlerinnen der 1920er-Jahre.

Anita Ree – Selbstportrait 1930

Anita Ree lebte in vielerlei Hinsicht ein Leben zwischen den Welten: als selbstständige Frau in der Kunstwelt zwischen Tradition und Moderne, als regionale Künstlerin mit internationalem Anspruch,  als protestantisch erzogene Hamburgerin mit südamerikanischen und jüdischen Wurzeln.

Auch in den Werken Anita Rées (1885–1933) spiegeln sich die zum Teil radikalen Veränderungen der modernen Gesellschaft zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt steht dabei die existentielle Frage nach der eigenen Identität. In eindringlichen Bildern präsentiert Rée Menschen anderer Herkunft und das Selbst als fremdes Wesen. Ihre intimen Frauenakte berühren. Porträts von Herren der Gesellschaft, die südliche Landschaft als Sehnsuchtsort, weltliche Figurenbilder mit religiösem Gehalt oder vereinzelte Tiere in kargen Dünen zeigen die große Vielfalt ihrer Motive. Sie  reichen  von impressionistischer Freilichtmalerei über kubistisch-mediterrane Landschaftsbilder bis hin zum neusachlichen Porträt.

Im Prestel Verlag erschien dieses Werkverzeichnis, herausgegeben von der Hamburger Kunsthalle, im Format 30x40cm, mit vielen, teils ganzseitigen Abbildungen.

Anita Ree – Das Werk – Prestel Verlag – 260 Seiten – ISBN 978-3-791

Arno Schmidt in Ahlden 1954

   Manches zu Arno Schmidt – Das steinerne Herz

Das steinerne Herz und die Prinzessin von Ahlden

  Alice und Arno Schmidt fahren am  Sonntag, den 25.Juli 1954 mit der Bahn von Serrig / Saarland nach Hannover, wo  sie im Staatsarchiv bzw. Landesbibliothek angemeldet sind, um einige Staatshandbücher und Archivmaterial zu Schmidts Fouque-Biografie  und zur Prinzessin Sophie-Dorothea von Braunschweig-Lüneburg-Celle – der sogenannten „Prinzessin von Ahlden“ –  einzusehen. Die Anreise von Serrig im Saarland ist damals noch eine sehr lange und strapaziöse Bahnfahrt durch die Nacht. Alice und Arno Schmidt verlassen Serrig am Sonntagabend um 17.34 Uhr, müssen dort noch vor der Abfahrt eine gründliche Zollkontrolle über sich ergehen lassen, denn das Saarland kam erst im Jahr 1957 zur Bundesrepublik Deutschland. Die Fahrkarten für zwei Personen für die 580 Kilometer kosten 130 Mark.

Hannover erreichen sie am Montagmorgen, den 26. Juli. Es erwartet sie im frisch renovierten Bahnhof ein geöffneter Wartesaal, wo sie ein Frühstück, bestehend aus Bier und Würstchen, zu sich nehmen, bevor sie im Dauerregen mehr laufend als gehend die Landesbibliothek erreichen. Ein Schirm wird nicht angeschafft: viel zu teuer ! Der Herr Professor Schnath erwartet bereits den angemeldeten Arno Schmidt, und während er in der Landesbibliothek  Dokumente liest und Abschriften macht, erledigt Alice unten im kleinen Lesesaal die ihr von Arno aufgetragenen Abschriften. In ihrem Tagebuch von 1954 vermerkt Alice Schmidt:

„ Und wir arbeiten.  Arno durchsieht ganze Aktenbündel Akten über die Prinzessin von Ahlden. Interessant.  Alles ist aufbewahrt.  Ganz interessante Stücke zeigt er mir zwischendurch mal schnell.  Ich kopiere 8 Staatshandbuchseiten  ….  Aber manchmal kommt doch die Müdigkeit stark durch. Hilft nichts.  –   Nach 14h sind wir fertig.“

Es regnet nicht mehr, also zurück zum Bahnhof. Eine Stärkung mittels Bratwurst und „schlesischer Knoblauchwurst„, die keine war. Arno Schmidt aber geht der Trubel der Stadt Hannover furchtbar auf die Nerven, zumal  gerade Sommerschlussverkauf ist:

„Las uns bloß heimfahren. Ich halte mit meinen Nerven keine Großstadt mehr aus „.

Im Aktualitätenkino bringt Arno Schmidt eine Zeichentrickfilm mit dem Titel „Hawaiian Holiday“  jedoch wieder zum Schmunzeln. Um 17 Uhr besteigen sie endlich den lang erwarteten Eilzug von Hannover nach Hamburg über Walsrode und Soltau.

Alter Holzschuppen am Haus No.31

In Schwarmstedt steigen sie in den Zug nach Verden , und Arnos Miene hellt sich auf:“ Arno ging sein ganzes Herz auf als er die sich jetzt wiedermal auftuenden weiten Wiesen und Wälder Norddeutschlands sah. Und schöne umheckte Weiden warens und schöne hohe Wälder „. Ahlden  liegt im Aller-LeineTal zwischen Verden  im Nordwesten und Celle im Südosten. Der kleine Ort, dessen Wurzeln bis ins Jahr 1140 zurück verfolgt werden können, brannte im Dreißigjährigen Krieg vollständig ab, und auch später suchten einige verheerende Brände den Ort heim. Dennoch sind viele historische Gebäude erhalten, entweder weil sie die Brände überstanden, oder weil sie zumeist konsequent danach wieder aufgebaut wurden. Die Alte Leine, eigentlich ein alter Aller-Arm, weist auf die Versuche hin, einen Flussarm der Aller, die nach einem Hochwasser 1618 ihr Bett nach Norden verlegt hatte, durch künstliche Umleitung der Leine weiter zu nutzen. Hier  bietet die Alte Leine auch einen sehr schönen natürlichen Badeplatz. Am nordöstlichen Ufer des Gewässers findet sich eine Liegewiese mit Sandstrand. Zugang über die Leinebrücke Richtung Hodenhagen, dann  links in den  Feldweg. 10 min. Fußweg vom Ortskern.

Schild am Haus „Thumann“ No.31

Heute  ist Ahlden ein Bestandteil des Aller Radwegs und auf diesem durch die Allerwiesen gut zu erreichen. Von Schwarmstedt im Süden kommend wird er im Nordwesten des Ortes auf der Trasse der stillgelegten Bahnlinie Verden-Schwarmstedt nach Rethem (Aller) weitergeführt. Auch der Leine-Heide-Radweg führt durch diesen Ort, in etwa 11 km von Schwarmstedt kommend und weiter nach Hodenhagen (2 km) und Soltau (40 km) führen. Durch Ahlden führt eine Variante des Jakobsweges, des Jakobuswegs Lüneburger Heide, auf dem Abschnitt von Hittfeld nach Mariensee.Um 18Uhr20 am 26. Juli 1954 kommen Alice und Arno Schmidt in Ahlden an und kehren sogleich in den „Gasthof zum Bahnhof“ ein. Das Zimmer unterm Dach mit Blick über die Linden auf den Flecken Ahlden kostet pro Nacht vier Mark . Arno:  „was? 4 Mark ? Haben Sie sich auch nicht geirrt ? „

Fachwerkgiebel in Ahlden„Prächtig diese Fachwerkhäuser. Was für ein hübscher Anblick bildet so eine Straße ! Giebel (mit Walmdach) meist auf die Straße zu. Hier gabs keine Misthaufen !  “   Bevor das Tageslicht schwindet machen Alice und Arno noch einen kleinen Spaziergang: „Arno sagt, er erinnere sich an diese Straße (Teerstraße) noch sehr gut denn über die wären wir, von Rethem kommend, tandemiert. Ab und zu schöne Bänke im Hain“.  Alice und Arno Schmidt hatten bei Fallingbostel , im Mühlenhof Cordingen, fünf Jahre gewohnt, von dort aus Tandemfahrten unternommen. Schmidt plant, seinen nächsten Roman , der nach diversen Arbeitstiteln schließlich „Das steinerne Herz“ heißen wird, hier in dem kleinen norddeutschen Flecken Ahlden anzusiedeln.„Das steinerne Herz – ein historischer Roman aus dem Jahr 1954“ist naturgemaess kein wirklicher „historscher Roman“ sondern die Geschichte  eines sonderbaren Sammlers alter Bücher, der sich  in Ahlden bei einem Ehepaar einquartiert, in deren Besitz er einige begehrte Folianten vermutet. Sein – wie auch des Autors – bevorzugtes Interesse gilt speziellen Ausgaben der „Hannoverschen Staatshandbücher„.   Der Protagonist des Romans, Walter Eggers  (alter ego ) , ist wie schon in „ Brand’s Haide“, im“ Faun“ , in  „Schwarze Spiegel“ oder auch dem später erschienenen „Kaff auch Mare Crisium“  ein unbeweibter und wohnungsloser Nachkriegsodysseus; ein   intelligenter, gebildeter und belesener Einzelgänger auf literarischer und erotischer Spurensuche..

 Ansicht von Ahlden an der KircheDie verheiratete , vom Ehemann vernachlässigte  Zimmerwirtin Frieda Thumann ist naturgemäß sofort Objekt der Fantasie und Begierde und der Vollzug lässt auch nicht lange auf sich warten zumal der Ehemann, der als Fernfahrer wöchentlich mit Frischmilch von Rethem nach Westberlin auf den Straßen der Republik unterwegs ist, dortselbst im Ostteil der Stadt seine Geliebte Line unterhält.  Man arrangiert sich nonchalant in zweifach wilder Ehe. Eine für das Jahr 1954  äusserst kühne  Wohngemeinschaft. Alfred Andersch bezeichnete “ Das steinerne Herz “ als Arno Schmidts bis dahin erotisch verwegensten Roman.„Was hat die Partei auf ihre Fahnen geschrieben? „- (Karl verdutzt vorm weit geöffneten Radio); „die sexuelle Befriedigung aller Staatsbürger ?!“  („Die materielle Mensch !“) Und er enttäuscht: „Och so.“

Schloss Ahlden Die ganze Handlung der Geschichte ist einfach  und kolportagehaft, der teils sarkastische Humor jedoch und die gnadenlose Kritik an den bestehenden Verhältnissen der Nachkriegsjahre unter Adenauer geben dem Roman die schmidt-typische Schärfe und Frische der frühen Erzählungen. Ganz abgesehen davon, daß Schmidt auch dieser Roman als Folie dienen muß, seine immer mal wieder proklamierte  intellektuelle  Überlegenheit schon in den ersten Zeilen auszubreiten: “ ( Intelligenz lähmt, schwächt, hindert ?: Ihr werd`t Euch wundern!: Scharf wie`n Terrier macht sie !! ) „ Schmidts Ausdrucksform – wie in den „Berechnungen“ ausführlich dargelegt – ist expressionistischer  geworden  ( teils durchaus mit unfreiwillig komischen Effekten ), das „längere Gedankenspiel“  gewinnt Raum; seine exzentrische Interpunktion kann über die Länge eines Romans  jedoch auch den geneigtesten Leser ermüden. Arno und Alice Schmidt setzen ihre Recherche in Ahlden fort, sie spazieren am Eichenhain entlang, vorbei am alten Kriegerdenkmal, an welchem Arno Schmidt naturgemäß die Namensliste der Gefallenen sehr interessiert. Die Fachwerkgiebel faszinieren mit ihren alten Inschriften, aber vorerst geht es über die zum Wochenende stets frisch gefegten Bürgersteige direkt zum Schloss Ahlden: „Alles schön sauber.  Sahen uns aber zunächst noch nicht viel um sondern wollten ja zum Schloss. Und da war’s. Zum 3.x sahen wirs jetzt.“

 Der  zweigeschossige Bau stammt aus verschiedenen Epochen. Um 1290 entstand hier eine Wasserburg. 1579 wurde der Südflügel in Fachwerkbauweise errichtet. Es folgten 1613 der Hauptflügel in Ziegelstein und Fachwerk sowie etwa um  1700 der Nordflügel des Schlosses Ahlden. Zur endgültigen Fertigstellung im 17. Jahrhundert wurden die Überreste der zerstörten nahegelegenen  sogenannten Bunkenburg genutzt.

Berühmt wurde das Schloss Ahlden als Verbannungsort der Celler Herzogstochter Sophie Dorothea von Braunschweig-Lüneburg , der Gattin des Kurfürsten Georg Ludwig von Hannover (später Georg I. von England) der sogenannten „Prinzessin von Ahlden“.Die unglückliche Ehe und die daraus resultierende Affäre mit dem schwedischen Grafen Königsmarck trugen ihr  wegen erwiesenen Ehebruchs die lebenslange Verbannung ein (von 1694 bis 1726). Dieser Ort war Schauplatz einer echten Tragödie und machte das Schloss berühmt. Danach war das Schloss Dienstwohnung der Landdrosten und ab 1788 Amtssitz und Gefängnis. Seit 1310 wurde in Ahlden Recht gesprochen. Früher im Freien, danach bis 1972 im Amtsgericht  im Schloss. In den Räumen des Schlosses Ahlden war 1954  noch das Amtsgericht untergebracht. Ein anwesender älterer Mann entpuppte sich als Wachtmeister Skusa, der dort im Schloss wohnte und dann und wann auch den Fremdenführer gab. Arno Schmidt kam mit ihm sofort in ein Gespräch, wusste ihm auch einiges Neues zu berichten. Der Wachtmeister führte sie in die oberen Schlossräume, wo Alice Schmidt zu ihrem hellen Entzücken sogleich  einen alten Porzellankamin und Delfter Kacheln entdeckt. Schließlich sehen sie die Wohnräume der verbannten „Prinzessin von Ahlden“ :

„Dann war der Schlafraum der Prinzessin mit einem nicht besonders tiefen Alkoven in dem das Bett gestanden.  Sehr viel Platz hat sie darin nicht gehabt. …. Als einzige Erinnerung an seine Bewohnerin hing nur ein Stich, ihr Porträt, da. Eine dunkle, mit Blumen geschmückte Schönheit . – Im Nebenraum … war sie als Leiche aufgebahrt. –  So, wieder hinunter“.

Der Morgenspaziergang führt sie naturgemäss sofort wieder zum Schloß Ahlden , wo sie auch den Amtmann wiedersehen, der ihnen noch einige alte Bäume an der alten Leine zeigt. Sie „knipsen“ das Schloß von allen Seiten  bevor sie zum Mittagessen in den Gasthof zurückkehren. Es erwartet sie dort ein üppiges Mittagsmahl, bestehend aus Koteletts, neuen Kartoffeln und Blumenkohl, in den kleine Fleischbällchen hineingesteckt sind:

“ Sah frappant aus und schmeckte auch gut. Salat noch……ein Ortsansässiger erzählt, könne sich erinnern, wie in seiner Jugend noch Leute im Ort gewesen wären, die Sachen v. der Prinzessin gehabt hätten  „.

Sie gehen nochmals durch den Flecken Ahlden: Arno Schmidt nummeriert auf einer von ihm selbst gezeichneten Kartenskizze des Ortes alle Häuser durch, Alice notiert zu jedem Haus die ihr von Arno diktierten  Beschreibungen und Anmerkungen. Das alte Wappen der Herzöge von Braunschweig-Lüneburg  Celle von 1613 an der Schloßfassade wird abgelichtet sowie auch das Schloß von der alten Leineseite aus fotografiert.

Das Wappen der Herzöge von Braunschweig-Lüneburg  1613  an der Schloßfassade

Weiter gehts vorbei am Drogisten, an der Sparkasse „( mit dem hübschen alten Holzbalkönchen)“. Im kleinen Eisladen, einem netten Lokälchen, setzen sie sich und essen jeder einen Becher Eis: “ Donnerwetter, das schmeckt aber gut ! “

Vom Eisverkäufer, einem Flüchtling aus Ostpreußen müssen sie erfahren, daß ihm zum Jahresende die Pacht gekündigt wurde; er muß künftig anderenorts  sein Glück suchen. Überhaupt treffen sie auf mancherlei entwurzelte und zerrissene Nachkriegsexistenzen in dem kleinen Flecken am Rande der Heide. Ein siebenjähriger Junge aus der Familie der Gasthausbetreiber starb vor einer Woche  an einer Blutvergiftung nachdem er sich bei einem Sturz eine leichte Knieverletzung zugezogen hatte. Die Stimmung ist gedrückt.

Der Rundgang durchs Dorf wird fortgesetzt, die Route durch Ahlden wird von Alice Schmidt in ihrem Tagebuch sehr ausführlich geschildert. Es gibt ja mittlerweile auch websites, auf denen jeder einzelne Schritt des Dichters akribisch vermerkt ist ! Notizen werden dabei  von Alice Schmidt, teils nach Diktat, eifrig gemacht sofern es ein stellenweise  niedergehender Regen erlaubt; es wird eifrig geknipst. Das komische, turmartige Spritzenhaus, in dem die Schläuche zum Trocknen hängen, die Kirche. Das Kaufhaus Wilhelm Gellermann hat eine hübsche  Dekoration zum Schlußverkauf in dem Fenster, was Alice eine ausführliche Anmerkung wert ist.. Dann geht es rechts hinüber zum Büchtener Holz und zurück, schräg gegenüber sehen sie die „Bunkenburg“.

„verwirrende Sagen der Einwohner: dort hätte das Schloß eines Raubritters gestanden Arno hält das für strategischen Wahnsinn“.

Nun gilt es noch, für den neuen Roman  „Das steinerne Herz“ das Haus des Romanhelden Walter Eggers auszusuchen. Sie einigen sich auf ein eher unscheinbares Haus  Nr. 31 am Ende einer Straße mit weitem Blick über Wiesen, Viehweiden und umheckte Felder und einem Hof dahinter, Arno Schmidt gefällt der Ort sofort. Und daneben so eine lange, schwarze Holzscheune.

Und bunte Kühe stehen auch herum, und in manchen Weiden auch Pferde. Alles wird fotografiert, insgesamt drei Filme sind nun voll geworden und werden in einem Karton nachhaus geschickt; sie wollen  diese wichtigen Dokumente vorsichtshalber nicht nach Ostberlin, in die damals  sogenannte „sowjetische Besatzungszone“, mitnehmen.

„Wenns verloren geht, war die ganze Reise umsonst“.

Mehr über Arno Schmidt lesen Sie hier

Arno Schmidt und die internationale Moderne von Friedhelm Rathjen lesen Sie hier

Francoise Sagan – Moral und Melancholie

„Ce n’est pas par ce que la vie n’est pas elegante, qu’il faut se conduire comme elle“

„Nur weil das Leben nicht elegant ist, muss man sich dem nicht anpassen“.

 Francoise Sagan  hat im Laufe der Jahre  viele Bücher geschrieben, allein zwanzig Romane, etliche Theaterstücke und auch ein paar Sachbücher, aber keines war so erfolgreich und  so furios und beunruhigend  wie ihr erstes, das mit neunzehn Jahren veröffentlicht wurde: Bonjour Tristesse

 In  “ Bonjour Tristesse“ beschrieb sie eher cool oder mit vibrierender Stimme den Hedonismus und die gedankenlos leichte Moral der Jugend, die Eitelkeiten und die Libertinage der hochfliegenden französischen Intellektuellen, den Lebenshunger und die rasende Geschwindigkeit des freien Nachkriegseuropas an der Schwelle der sechziger Jahre.

Es überrascht nicht, dass es ihre naive Abenteuerlust und durchaus auch die flatterhafte Eleganz ihres Lebens war, die die Verfasser ihrer zahllosen Nachrufe im Jahre 2004 in erster Linie interessierten. Ihre Auftritte waren nicht selten spektakulär genug für gut verkäufliche Schlagzeilen. Doch auch das war sie, gefangen in ihrem  Schicksal: Schon Montaigne wusste es:

„Jeder einzelne von uns ist eine Zitadelle der Idiosynkrasie, deren Mauern sind die Gewohnheit und die Meinung“. 

Von diesem wunderbar schlanken, vielfach missverstandenen kleinen Roman und von seiner jungen Heldin Cécile konnte sich Françoise Sagan nie ganz befreien . „Bonjour Tristesse“ endet  – nachdem mehrere Varianten mit ihren Verlegern diskutiert worden waren – mit dem tödlichen Autounfall  der neuen Geliebten des Vaters. Nur drei Jahre nach der Veröffentlichung des Romans erlitt Francoise Sagan, deren Liebe zum schnellen Fahren ein wichtiger Teil ihres Lebens war und blieb, schwerste Verletzungen, multiple Frakturen, als ihr Aston Martin sich mit hoher Geschwindigkeit überschlug.

„Der Professor hat mein Leben gerettet indem er mich nicht operierte“, 

sagte sie später einmal.

Was ihr blieb waren die Schmerzen und das Morphium. Sie war im Hospital auf diese Weise von den Drogen abhängig geworden und verließ es endlich um sich zu retten. Aber nun war ihr Leben nicht mehr wie es vorher war: spontan und unbeschwert, obwohl sie nach wie vor nur das tat, was sie wollte. Und wenn sie etwas wollte, dann musste es sofort und hier und jetzt passieren. Nichts duldete Aufschub, das Leben wartete nicht

„Im Grunde ihres Herzens ist sie immer das unbeschwerte zwölfjährige Kind geblieben“ wie es ihre Freundin Juliette Greco einmal formulierte,“ sie tat stets nur das, was sie wollte – koste es was es wolle.“

Ihr unstillbarer Hunger nach dem Unerreichbaren, und die tiefe Sehnsucht von „Bonjour Tristesse“ überwältigten nicht nur eine junge Leserschaft in ganz Europa sondern wurden auch von der Kritik sehr wohlwollend beachtet.

Der Erfolg von „Bonjour Tistesse“ war überwältigend und Francoise Sagan eroberte ihr neues Publikum im Sturm und binnen weniger Tage.. „Paris Match“ nannte sie „eine 18-jährige Colette“. Sie hatte den überaus wichtigen Prix des Critiques gewonnen, und die begeisterte Anerkennung kam von den verschiedrnsten Seiten. Der amtierende Nobelpreisträger, Francois Mauriac, titelt in Le Figaro über sie.

„Ihr literarisches Talent explodiert von der ersten Seite an und ist unbestritten“, schrieb er.

Die Moral und ihre Negation blieben das bestimmende Thema und die Triebfeder aller handelnden Protagonisten ihrer folgenden Romane.: In diesem Sinne ist Sagan weitaus klassischer als manche ihrer existentialistischen Zeitgenossen. Wenige Jahre später eroberte ein Regisseur namens Federico Fellini das italienische Publikum mit „La dolce vita“, der Geschichte des suchenden jungen Journalisten Marcello Auch er stellt die Frage nach einer gültigen Moral  inmitten einer verkommenen und desillusionierten Bourgeoisie, die sich mit Exzessen jeder Art zu betäuben versucht. Die Kirche war entsetzt und empört und bekämpfte den Film unerbittlich, da er jegliche Moral konsequent leugnete in der Stadt des Papstes. Gleich in der ersten Szene des Films wird die überlebensgroße Christusfigur von einem Hubschrauber baumelnd aus der Stadt ausgeflogen. Gott ist tot, lautete die Botschaft.

Auch in Frankreich hatte Francoise Sagan mit erbittertem Widerstand der Kirche zu kämpfen. Francoise Sagan war durchaus bewusst, dass  sich die Missbilligung ihres Romans nur mit der bigotten Moral eines noch überwiegend katholischen Landes erklären ließ.

 „Es war unvorstellbar, dass ein junges Mädchen im Alter von  18 Jahren einen Jungen in ihrem Alter liebt, ohne verliebt zu sein, und dafür nicht bestraft wird“, 

schrieb sie 30 Jahre später. „Die Leute konnten die Vorstellung nicht ertragen, dass das Mädchen sich nicht in den Jungen verlieben sollte. Es war auch nicht hinnehmbar, dass ein junges Mädchen das Recht hatte, ihren Körper zu benutzen wie sie will, und Freude daran haben konnte, ohne umgehend dafür bestraft zu werden „

Natürlich beschäftigt sie sich als junge Autorin auch  mit der Frage der  Realität des Individuums, der Dialektik seiner Existenz und seiner Konfrontation mit den überkommenen Verhaltensnormen einer erstarrten Nachkriegsgesellschaft im 20. Jahrhundert, aber in „Bonjour Tristesse“ sind diese Normen ebenso psychisch wie gesellschaftlich virulent und erfahrbar.

 Cécile, diese unglaublich befreite Siebzehnjährige ohne Mutter, deren freizügiger, leichtsinniger Vater der einzige erlebbare Maßstab für ihre persönliche Moral war, bietet Sagan ein  damals radikales Modell für eine menschliche Sensibilität, die hier ebenso dramatisch wie selbstzerstörerisch Gestalt annimmt.  Auch die Art und Weise, wie elementare Fragen ihre physische und emotionale  Verfassung  zunehmend dominieren, stellen eine schonungslose Kritik der herrschenden Moral dar, was diesen Text einer achtzehnjährigen Autorin zu einer literarischen  Sensation machen sollte. Dies sind die Fragen einer Achtzehnjährigen , die den Kern von Sagans kurzem und beunruhigendem Erstlingswerk  bilden.

Selbst unter der Sommersonne des Mittelmeers, lässig entspannt weit entfernt von Paris, von Struktur, Pflichten oder strenger Kontrolle gelingt es den Protagonisten nicht, sich vom spontanen Impuls oder den alltäglichen Zufällen treiben zu lassen. Eine verhasste Kontrollinstanz beendet die Unbeschwertheit und lockere Moral des Dreigestirns, bestehend aus Cecile, ihrem Vater und dessen Geliebter Elsa. Mit Anne, einer Freundin ihrer toten Mutter betritt eine beherrschende und  erwachsene Kontrollinstanz die Szene und zerstört den unbeschwerten Hedonismus in der Ferienvilla am Meer.

 „Das war es, was ich an Anne hasste: Sie hat mich davon abgehalten, mich selbst zu mögen. Ich war von ihr zu einem schlechtem Gewissen gezwungen worden. „

Cecile verabscheut naturgemäß zutiefst diese von Anne verkörperte sogenannte bürgerliche Moral, die alles zerstört was ihr lieb und wichtig ist und ihr letztendlich sogar den geliebten Vater entfremdet. Diese verlogene Moral entfacht ihren Selbsthass, der sich nach außen wendet,  und nur noch rivalisierende, ungute Empfindungen in ihr weckt. Francoise Sagan schildert eindrucksvoll die vielschichtigen Konflikte und Emotionen, die von nun an unweigerlich das Handeln ihrer Protagonistin bestimmen werden.

„Ich suche nicht nach Genauigkeit bei der Schilderung meiner Charaktere. Ich versuche meinen Helden eine Art Wahrhaftigkeit zu verleihen.“ 

Ihr brillanter psychischer Realismus zeichnet ein verstörendes Profil einer Protagonistin, die aus dem Reich ihrer Liebe und Kindheit vertrieben wird und in einer jugendlichen Akzeptanz von Melancholie enden wird. Bonjour Tristesse.

In all ihren Romanen ist die Liebe ihr Thema und indem sie ihre Protagonistinnen und Protagonisten die Liebe als eine  verwirrende , herausforderne und somit auch existenzgefährdende  Erfahrung sowohl physisch als auch psychisch durchleben lässt, zeichnet sie mit erstaunlicher Präzision die conditio humana einer desillusionierten und zerrissenen Nachkriegsgeneration, die es nicht vermag aus ihrer Zitadelle der Gewohnheit zu entfliehen.

Sie hat damit auch deutlicher als  manche ihrer zeitgenössischen Autorinnen und Autoren  versucht, mit der charmanten Melancholie des französischen Existenzialismus die Einsamkeit und Glücksunfähigkeit des modernen Menschen sinnlich erfahrbar zu machen.

www.francoisesagan.webnode.com

Die geheime Sprache der Kunst

Die Symbole der abendländischen Malerei

Ein kenntnisreicher Führer von Sarah Carr-Gomm

Dieses für jeden Kunstliebhaber wertvolle  Buch bietet erstmals eine höchst kenntnisreiche, informative und leicht zu lesende Einführung in die bekannten und unbekannten mythologischen, religiösen, historischen und symbolischen Traditionen, welche die berühmtesten Künstler aller Zeiten kannten und nutzten und die auch heute noch in der Kunst zitiert werden.
Der interessierte Leser und Kunstliebhaber findet in diesem reich bebilderten Band sehr detaillierte, umfassende Erläuterungen zu vielen berühmten Gemälden und enthält weiterhin etliche kenntnisreiche Analysen von mehr als fünfhundert Symbolen und Allegorien aus Jahrhunderten künstlerischen Schaffens im Abendland.
Thematisch ist das großartige Buch in fünf ausführliche Kapitel gegliedert: die Mythen und Sagen der Antike; Die Bibel und das Leben Christi; Heilige und ihre Wunder; Geschichte, Literatur und Kunst; Symbole und Allegorien.

Ein überaus lehrreicher und unterhaltsamer Lesestoff, hervorragend präsentiert und eine Fundgrube für jeden Kunstliebhaber. Ein Muss für jeden, der die große Kunst der vergangenen Jahrhunderte besser verstehen und deuten will.

Sarah Carr-Gomm – Die geheime Sprache der Kunst – Bedeutung von Symbolen und Figuren in der abendländischen Malerei – Bassermann Verlag – ISBN 978-3-8094-3091-9 

Townes van Zandt: words & letters

The Poet’s Poet

War Townes Van Zandt besser als Dylan?

Sein eigenes Leben schien oft die traurigste Ballade zu sein, aber dieser melancholische Poet und Songwriter aus Texas war die wahre Stimme der amerikanischen Country-Musik.Ich erinnere es, als wäre es gestern gewesen. Eines sehr späten Abends im Jahr 1995 verließ ich mit meiner Freundin den Jazzclub in Bonn, als mir ein schäbiges Plakat über dem Ausgang ins Auge fiel – oder besser gesagt, es war der Name der dort fett gedruckt zu lesen war: Townes van Zandt.„Was, der tritt hier auf? Hier in Bonn?“ fragte ich total verblüfft meine Begleiterin, die ahnungslos mit den Achseln zuckte. Aber ja, da stand es schwarz auf gelb mit Datum, es musste wohl stimmen.  Bis dato kannte ich nur die Texte von ihm, Emmylou Harris hatte seine Lieder gesungen und auch der große Bob Dylan hatte schon Texte von ihm vorgetragen (wenn ich nicht irre).Wenige Wochen später stand er in Bonn auf der Bühne, schmal und zerbrechlich mit seinem schüchternen Lächeln und seinen abgewetzten Jeans. Keine Posen, no useless speeches. Er sagte knapp den Titel des Songs an, hob die Gitarre und begann eine Performance, die mich auf der Stelle umhaute, wie gesagt wird. Und das Beste war: Genau das hatte ich erwartet. Es wurde ein unvergesslicher Abend mit einem unvergesslichen Sänger. Ach ja, unmittelbar vor dem Konzert war der Veranstalter auf der Bühne erschienen und bat uns, Townes van Zandt nach dem Konzert bitte nicht auf einen Drink einzuladen. (Die lange Bartheke war direkt nebenan). Wir hielten uns an die Empfehlung.Ich habe ihn dann noch einmal in Bonn erleben können in diesem Sommer 95, Townes van Zandt hatte damals eine Freundin in Bonn, wie ich erfuhr.

Das kurze Leben des großen Songwriters Townes van Zandt ist eine Erzählung voller widersprüchlicher Hoffnungen und hasserfüllter Dämonen, aus denen der talentierte, großartige und so sehr geliebte Künstler durch Talent und Ausdauer überwältigende Schönheit hervorgebracht hat.

Von seinen Wurzeln im texanischen Geldadel bis hin zu lähmenden Schocktherapien und dem langsamen whiskeygetränkten Niedergang scheint Van Zandts Leben eine ebenso kühne wie  melancholische Ballade in der traurigsten Tradition zu sein. Für einen Musiker, der im weitreichenden, dunklen Schatten von Hank Williams lebte , könnte man versucht sein Van Zandts tragisches Leben fatalistisch hinzunehmen. Braucht nicht jeder gute Country-Sänger Geschichten von whiskeyschwangerer Einsamkeit und dem unvermeidlichen Liebeskummer? Warum ein bewährtes Rezept verändern?

Aber jeder, der Townes van Zandts durchaus ungleiche, aber unvergleichliche Aufnahmen zum ersten Mal hört, weiss sofort, dass hier ein anderer Ton angeschlagen ist, unvergleichlich, zärtlich, rauh, nichts was einem Trost spenden würde.

„Townes Van Zandt ist der beste Songwriter der Welt und ich stehe auf Bob Dylans Couchtisch in meinen Cowboystiefeln und sage das“, konstatierte  ein für allemal  sogar der unbescheidene Steve Earle.

Sicherlich kann manches von Van Zandts Aufzeichnungen den Hörer an manches von Dylan erinnern, aber der Ton ist ein völlig anderer in jedem seiner Songs und Texte. Die Texte transportieren oft aufgeladene Bilder und Traumvisionen in einer Stimmung, die ohne jede Anstrengung  – leichter als Dylan es konnte –  den Mann selbst herauszubringen. Die ganz frühen Aufzeichnungen wurden schon durch diesen einzigartigen Ton und Stil diktiert, und Van Zandt hätte  bereits damals leicht als ein ernstzunehmender Anwärter auf Dylans Thron zu einer Zeit betrachtet werden können, als es sicher keinen Mangel an diesem Ehrgeiz gab. Das war zumindest der erste Eindruck, den ich von seinen frühen Studioalben hatte.

Dieser Eindruck erwies sich jedoch als nicht ganz stimmig. Je mehr diese Platten überarbeitet werden, desto mehr scheinen die Streicher, die Flöten, die witzigen und sentimentalen Texte neben etwas Unbegreiflichem zu stehen. Es entsteht ein Eindruck  von unvollständigen und manchmal auch irritierenden Bildern. Es gibt auch sehr simple Songs und Texte hier, aber sie sind bis heute einfach unerreichbar.

Allerdings Cathleen und Tecumseh Valley  kommen sofort als echte Explosion rüber. Cathleen malt eine bleierne, schier unheilbare Melancholie, ohne in tränenreichem Mitleid zu versinken. Die poetische Bildsprache wird durch das einfache Sprechen fundamental:

„Vielleicht werde ich verrückt werden. Ich muss diesen Schmerz töten.“

Auch die Evokation der üblichen unglücklichen Charaktere (Spieler, Prostituierte) ist immer ohne begleitenden Narzissmus. Tecumseh Valley artikuliert die Ballade über das Lebens eines anderen mit  Respekt, Zurückhaltung und Empathie. Es ist stark genug, um Dich an einen Ort  Deiner Einsamkeit zu erinnern .

Nachdem Sie diese Dimensionen in der Musik gehört haben, möchten Sie am liebsten sofort all die Flöten und Streicher vertreiben und klar und deutlich hören, worum es bei Townes Van Zandt wirklich geht. Genau das passiert bei Live im Old Quarter, eine Aufzeichnung, die berechtigterweise als seine beste gilt.

Dies ist der Ort, an dem die Songs, die Sie gehört haben, wie ein Flüstern in all ihrer einzigartigen Pracht erblühen. Es ist plötzlich klar, dass Van Zandts Musik so aufgeladen ist, dass sie als Solo-Performance gehört werden muss. Diese aufgenommene Show öffnet die gesamte Landschaft. Songs, die im Studio halb erstickt worden sind, erweitern sich nun zu einem bemerkenswerten Terrain. Wenn man es hört, bekommt man den Eindruck, dass hier jemand zwischen sehr gefährlichen Extremen balanciert: Es gibt Lieder von Jubel und Freiheit – White Freight Liner Blues, To Live to Fly – und Lieder der trostlosesten Traurigkeit – Waitin around to die. Van Zandt hört sich hier an, als ob er diese ständige Berg- und Talfahrt, seine Highs und Downs  einfach in rohem, ungeschöntem Zustand vor uns ausbreitet. Und er nimmt dabei weder Rücksicht auf uns, noch auf sich selbst.

Nicht alles ist voller Traurigkeit. Obwohl nicht unmittelbar erkennbar, gibt es hier auch einen reichen Humor, der an den texanischen Blues-Meister Lightnin ‚Hopkins erinnert. Es war Hopkins bittersüßer Stil, der Van Zandt dazu inspirierte, dieser Musik nachzugehen, und die Nummern von Lightnin tauchen daher auch häufig auf den Live-Aufnahmen auf. Wenn Sie Live im Old Quarter aufmerksam lauschen , ist eine ungewöhnliche Entwicklung zu hören. Während seine Vocals und sein musikalisches Können zunehmend von einem unerbittlichen harten Leben gezeichnet sind, werden Van Zandts Songs immer stärker, je mehr Narben ihm die Jahre zufügen. Zum Beispiel wäre es wohl sehr schwierig, eine härtere Darstellung der grassierenden amerikanischen Armut zu finden als im Song Marie.

Während manchen Sängern die Fähigkeit zugeschrieben wird, zu den Charakteren zu werden, die sie darstellen, konnte es keiner mit dieser Empfindsamkeit vollziehen. Das Lied erinnert stark an Hank Williams Life’s Other Side mit dem zum Scheitern verurteilten Protagonisten, der Dir  unverwandt in die Augen schaut, während er seine trostlose Geschichte ausbreitet. Man fragt sich unwillkürlich, ob Dylan jemals den mitleidlosen Geist des Blues zu solch furchtbarem Effekt hätte heraufbeschwören können.

Townes van Zandt starb in der Nacht des 31. Dezember 1996 in Smyrna Texas

Eine weitere, seltene Live-Aufnahme: Townes van Zandt – Abnormal erschien bei

c/o NORMAL MAIL ORDER – Bonner Talweg 276 – 53129 Bonn – Tel: 0228-220655

Kommentar von almathun:

Leider habe ich van Zandt nie live gesehen, bin eher zufällig auf ihn gestoßen, da war er aber schon tot. Townes Van Zandt war für einen Countrysänger ungewöhnlich intelligent, was sich in seinen Texten oft als schwermütige Ironie aber auch verhohlener Humor niederschlägt. Seine Sprache deutet darauf hin, dass er eine gute Bildung genossen und auch mal ein paar Klassiker gelesen hat. Leider war er nicht intelligent genug, die Drogen sein zu lassen, was ihn ja dann recht früh ins Grab befördert hat. Besonders sehenswert finde ich die wunderbar poetische Bio-Documentary „Be Here To Love Me“ von Margaret Brown. In Verbindung mit den Bildern wirkt die Musik noch eindrucksvoller.

Daniel Kramer: Bob Dylan 1965

A Year and a Day

Bob Dylan 

von Newport bis Woodstock

Daniel Kramer

brauchte eine sehr lange Zeit  um Bob Dylan breitzuschlagen ein Termin für ein erstes FotoShooting zu vereinbaren. Es war Anfang 1964, einige Monate bevor Bob Dylan zum hellen Entsetzen der Folk-Puristen zur elektrischen Gitarre greifen sollte.

 Kramer, ein bekannter Fotojournalist, der sich auf Künstlerportraits spezialisiert hatte, wusste nichts von Dylan, bevor er ihn das  Lied The Lonesome Death of Hattie Carroll in der Steve Allen Show singen hörte.

„Dann fing ich an, regelmäßig Briefe zu verschicken und mit dem Büro von Dylans Manager Albert Grossman zu telefonieren um eine einstündiges Fotoshooting zu bitten“, erinnert sich Kramer. „Das Büro hat immer abgelehnt.“

Aber sechs Monate später, als Grossman selbst den Anruf  entgegen nahm, änderten sich plötzlich die Dinge. „Er sagte geradeheraus: „OK, komm nächsten Donnerstag nach Woodstock ‚“, erinnert sich Kramer.Nach Kramers Ankunft in Grossmans Haus dauerte die geplante und vereinbarteeinstündige Fotositzung schliesslich über fünf Stunden, gefolgt von Begegnungen in dennächsten zwölf Monaten, die zu einigen  der bekanntesten Aufnahmen von Bob Dylanführen sollten. Nun sind diese Fotos, von denen viele noch nie zuvor gesehen wurden,in  A Year and a Day  (Taschen) veröffentlicht worden, einem Buch, das dieZeitspanne exakt vom 27. August 1964 bis zum 28. August 1965 abdeckt.

Bob Dylan – Highway 61 revisited – Foto: Daniel Kramer

Es sind schwarz-weiss Aufnahmen, die die vibrierende Atmosphäre und die explosive Aufbruchstimmung dieser Ära perfekt eingefangen haben und uns den Bob Dylan präsentieren, wie wir ihn am Beginn seiner stürmischen Karriere in Erinnerung behalten haben. Mit seiner eindringlichen Präsenz, seiner Entschlossenheit, Arroganz und Unberechenbarkeit, die auch seine Songs dieser Jahre auszeichnete, nachdem er sich geweigert hatte, die Fesseln der Folkmusik-Szene zu akzeptieren und mit einem beherzten Griff zur elektrischen Gitarre einige deutliche und harte Statements zum Stand der Dinge zu Gehör gebracht hatte. Highway 61 revisited nannte man dieses atemberaubende Album, Dylan kehrte der romantisierenden Folkszene den Rücken zu, nachdem er doch gerade wenige Monate zuvor zusammen mit der bereits berühmten Folk-Ikone Joan Baez, deren support er gern akzeptiert hatte, beim Newport Folk Festival die Bühne betreten hatte.

Von nun an war jedem klar, dass hier ein Künstler angetreten war, der sich von nichts und niemandem vereinnahmen lassen würde. Er schrieb und sang sogenannte „Protestsongs“ lehnte es aber in Interviews mit breitem Grinsen konsequent ab, als politischer Protestsänger abgestempelt zu werden. Nach seinem Leben befragt, erfand er die tollsten Geschichten und er log, dass sich die Balken biegen, wenn es darum ging seine Legende fortzuspinnen. Bob Dylan erfand sich scheinbar mühelos mit jedem  Song neu und hielt seine Fans und Kritiker immer schön auf Trab.

Dieser umwerfende, unbekümmerte Märchenerzähler  überraschte und verzauberte zu Beginn seiner Karriere seine Zuhörer ebenso wie er auf Anhieb schon beim ersten Fotoshooting den Fotografen Kramer in seinen Bann zog. Diese rasanten und auch bewegenden Fotografien sind wie das Logbuch eines atemberaubenden road-trips.

Ein großartiger Fotoband mit vielen bisher unveröffentlichten  Aufnahmen.

Bob Dylan – A Year and a Day – Daniel Kramer – Taschen Verlag – 310 Seiten mit teils großformatigen schwarzweiß-Fotografien.  ISBN 978-3-8365-7100-5

__________________________________________________

Abbildungen: Taschen – Columbia Records

Gustav Klimt und die Antike

Erotische Begegnungen

Klimt und die Antike – Bilder einer Ausstellung

Gustav Klimts Beziehung zu den antiken Vorbildern ist nicht so einfach zu entschlüsseln, wie es dem flüchtigen Betrachter erscheinen mag. Seine intensive Beschäftigung mit antiken Mustern und Vor-Bildern erstreckte sich über eine lange künstlerische Laufbahn. Zunächst war sie lediglich auch von Imitation und Studium der Antike geprägt, doch im Laufe der Zeit entwickelte Klimt aus den Grundprinzipien antiker Erotik eine eindrucksvolle und ganz eigenständige Bildsprache.

Die plaudernden Hetären

Zentrum dieser These ist der von Klimt illustrierte Prunkband der Hetärengespräche des Lukian.  Ein Buch von solcher Freizügigkeit, dass es heute kaum lesbar scheint – und auch Gustav Klimt geizte in seinen Darstellungen durchaus  absichtsvoll nicht mit expliziter Nacktheit. Diese  Darstellungen der Plaudereien der antiken Prostituierten und ihre zeichnerische Umsetzung durch Klimt in die Bildsprache der Moderne verweist auf die tiefgehende Auseinandersetzung des Künstlers mit der Erotik in einem Akt emanzipatorischer Aneignung und sowohl künstlerischer als auch individueller  Befreiung.

Gustav Klimt imitierte diese Vorbilder en detail und nutzte manche Elemente immer auch als Zitate in seinen eigenen Arbeiten wie der vorliegende, üppig ausgestattete Band – als Katalog zu einer Ausstellung im Belvedere Museum in Wien erschienen – in hervorragender Weise demonstrieren kann.

Kunstdetektivische Rätsel

Klimts Befreiung, Neubefragung  und Hinterfragung der antiken Prinzipien, die in all seinen Werken zum Tragen kam  mündete in einer atemberaubend neuen Ästhetik, die wiederum nicht ohne Einfluss auf Zeitgenossen blieb und die Moderne prägte. Er arbeitet immer wieder ganz demonstrativ mit der Leere als Fläche. Daraus ergibt sich für den Betrachter eine Einladung, diese Vasen anders zu sehen, nicht als Sammlung von antikenGefäßen, sondern ihre erotische Bilderwelt als inspirative Motive wahrzunehmen.

Es hat ein bisschen den Charakter einer Schatzsuche oder eines kunstdetektivischen Rätsels, wenn man Klimts künstlerischer Entwicklung innerhalb der antiken Welt auf die Spur kommen möchte – und dieses  wunderbare Buch kann die Forscherlust des Lesers immer wieder aufs Neue inspirieren und dem Kunstfreund einen Weg zu aufregend neuen Entdeckungen weisen.

Klimt und die Antike – 260 Seiten – Prestel Verlag – München

Thomas Bernhard unterwegs

Thomas Bernhard – gnadenlos ungerecht !

Seine herrlichen „Städtebeschimpfungen“

als dreistündiger Hörgenuss.

Wien ist eine fürchterliche Genievernichtungsmaschine, dachte ich auf dem Ohrensessel, eine entsetzliche Talentezertrümmerungsanstalt.

Die Stadt Wien ist eine einzige stumpfsinnige Niederträchtigkeit

Aus: »Holzfällen«

Kompromisslos, gnadenlos und manchmal sogar zutreffend – cum grano salis.

Thomas Bernhard, der große Weltzertrümmerer, der lebenslange Schmäher seines geliebten Heimatlandes Österreich, das ihm doch erschien als zutiefst verachtenswerte Brutstätte für Stumpfsinn und Reaktion; als unheilige Vereinigung von Katholizismus und Nationalsozialismus.

Und er war auch durchaus bereit und fähig anderen Zumutungen in anderen Ländern sein höchst subjektives, unzensiertes, immer naturgemäss auch ungerechtes Urteil auszustellen und drucken zu lassen. Die empörten Aufschreie und Schmähungen genoss der 1989 viel zu früh verstorbene Großkritiker, Dramatiker und begnadete Schriftsteller in der Waldeinsamkeit auf seinem Hof in Obernathal bzw. Ohlsdorf.

Die hier auf drei CDs vorgetragenen Schmäh- und Hasstiraden sind herrlich anzuhören, auch brüllend komisch und manch ein Kopfnicken mag ihn belohnen.

„Bremen verabscheute ich vom ersten Moment an, es ist eine kleinbürgerliche unzumutbar sterile Stadt.“

Aus: »Meine Preise«

Dazu es gibt sogar eine privat erstellte Google Maps – Karte hier.

Thomas Bernhard – Städtebeschimpfungen – gelesen von Peter Simonischek und Michael König – Laufzeit 3h08min – Hörverlag – http://www.hoerverlag.de 

Zur „Deutschen Kultur“

Deutsch – was ist das ?

„Eine spezifisch deutsche Kultur ist schlichtweg nicht identifizierbar“ .

Das erklärte die  ehemals von der Bundesregierung Beauftragte für Migration, Flüchtlinge und Integration, Aydan Özogüz – SPD, im Jahre 2017. Die in Hamburg geborene Deutschtürkin trat mit diesem  ebenso mutigen wie falschen Statement einen kleinen Skandal los. Denn der AfD-Vorsitzende Alexander Gauland verkündete im Wahlkampf postwendend lauthals, er wolle die SPD-Politikerin „in Anatolien entsorgen“.

Der eigentliche Skandal in dieser Causa war allerdings das Schweigen der großen Mehrheit der Verantwortlichen in Politik, Medien und Kulturbetrieb unserer Republik. Es gab weit und breit  offenbar niemanden, der bereit war, seinen Hut für die identitätsstiftende Kraft einer „deutschen Kultur“ in den Ring zu werfen. Kein Feuilletonist, keine Kulturschaffender, kein Künstler, kein Autor, kein Theaterregisseur – von der Politik erwartet man das ja ohnehin nicht mehr – meldete sich zu Wort, ein gutes Wort für die angeblich „nicht identifizierbare“ deutsche Kultur einzulegen. Das war der eigentliche Skandal.

Die  studierte Philosophin, und Theaterwissenschaftlerin  Thea Dorn (Die deutsche Seele) muss es wohl ähnlich empfunden haben. Denn sie leitet mit der Frage nach dem Vorhandensein einer „spezifisch deutschen Kultur“  ihre Gedanken und Überlegungen zu einer deutschen Kulturgeschichte ein.

Gleich zu Beginn beleuchtet sie die große Komplexität des sogenannten Kulturbegriffs, indem sie keinen geringeren als den den österreichischen Philosophen Ludwig Wittgenstein mit seinen „Philosophischen Untersuchungen“ zu Wort kommen lässt. Sein expliziter Verweis auf den sehr komplexen Sinngehalt des scheinbar einfachen Begriffs „Spiel“ verdeutlicht schlaglichtartig, worauf wir uns einlassen müssen, wenn wir die Geschichte, Vielschichtigkeit und Facettenreichtum eines allgemeingültigen Kulturbegriffs in Worte kleiden wollen.

 So sei es laut Thea Dorn, auch mit der „deutschen Kultur“:

„Man hat es mit einem komplizierten Netz von Ähnlichkeiten zu tun, die „einander übergreifen und kreuzen“.

Wer über diese deutsche Kultur sprechen will, hat eine durchaus intellektuell anspruchsvolle Aufgabe vor sich. Ähnlich verfährt Thea Dorn mit den Begriffen  „Heimat“, „Leitkultur“ oder „Nation“. Ihr Patriotismus lebt von den  heutzutage erwartbaren  Schwierigkeiten einer mutigen, dezidierten, wie auch immer definierten Haltung, dem kritischen Denken und der Dialektik der permanenten Auseinandersetzung  mit  Kombatanten von links und rechts.

 Dabei  unterscheidet die Autorin ein „Lager der Krawallmacher“ und ein „Lager der Konsensverwalter“. Der Streit zwischen beiden verhindere „konstruktive Auseinandersetzungen“.

Zu Wort kommt auch Kurt Tucholskys:

„Es ist ja nicht wahr, dass jene, die sich ,national‘ nennen und nichts sind als bürgerlich-militaristisch, dieses Land und seine Sprache für sich gepachtet haben. … Wir sind auch noch da.“ 

Es ist ein aufrichtiges Plädoyer, die Komplexität und den Konfliktreichtum  der deutschen Kultur anzunehmen und diese Merkmale als ihr Wertvollstes zu erkennen. Wenn es denn richtig ist, dass  unsere vielbeschworene „Naturliebe, Heimweh und Fernweh und Menschheitspathos“ und vieles mehr miteinander ringen und dieses ständige Bemühen um die tiefere Erkenntnis die wahren Antriebskräfte einer deutschen Kultur waren, dann sollten sich deutsche Patrioten motiviert einmischen, kritisieren und argumentieren. Ja, auch polemisieren.

Thea Dorn – deutsch, nicht dumpf – Ein Leitfaden für aufgeklärte Patrioten. Albrecht Knaus Verlag –  336 Seiten – ISBN 978-3-8135-0810-9

Manches über die deutsche Seele

Die deutsche Seele

Thea Dorn und Richard Wagner über die deutsche Befindlichkeit

Wer sich für deutsche Kultur und Geschichte interessiert, wird in diesem  560 Seiten schweren Buch über ein schwieriges Thema eine Unmenge an Informationen samt Hintergrundwissen finden.

Die Stichworte beginnen mit dem deutschen Abendbrot und enden mit Zerrissenheit, dazwischen finden sich die Ordnungsliebe ebenso wie die Narrenfreiheit und auch „das Weib“ findet in einem Kapitel gebührende Erwähnung. Diese  Aufreihung in einzelne Stichworte ermöglicht es dem Leser, sie auch in beliebiger Reihenfolge zu lesen, da sie – der deutschen Ordnungsliebe sei Dank – alphabetisch geordnet sind. Manches ist durchaus humorvoll, vieles anderes ist historisch, durchgehend sind die Artikel sehr informativ, unterhaltsam und kenntnisreich geschrieben.

Die vielen gut gewählten historischen Fotos oder auch Zeitschriftenblätter, wichtige Kunstwerke, ausgesuchte Karten etc. illustrieren diese 64 Textkapitel zur sogenannten „deutschen Seele“ und veranschaulichen das, was viele von uns als das „deutsche Lebensgefühl“ bezeichnen würden. Sogar dem „Seelenhintergrund sind einige Seiten gewidmet. Dankenswerterweise können das umfangreiche Register und die Lektüreempfehlungen im Anhang weitergehende Recherchen ermöglichen. Ein wichtiges und sehr lesenswertes Buch, das nun auch in broschierter Ausgabe zum Vorzugspreis erschienen ist.

Thea Dorn & Richard Wagner – Die deutsche Seele- 560 Seiten – Knaus Verlag – ISBN 978-3-8135-0789-8

Tom Wolfe

stirbt im Alter von 88 Jahren

Tom Wolfe, der Essayist, Journalist und Autor von Bestsellern ist im Alter von 88 Jahren gestorben.

Wolfe starb am Montag in einem Krankenhaus in Manhattan, bestätigte seine Agentin Lynn Nesbit am Dienstag. Er war mit einer Infektion ins Krankenhaus eingeliefert worden.

Mit seinem literarischen Ansatz galt Wolfe als einer der Pioniere des New Journalism. Werke wie die Essay-Sammlung von 1965 The Kandy-Kolored Tangerine-Flake Streamline Baby, 1968 Der Electric Kool-Aid Acid Test – ein Bericht aus erster Hand über die Experimente des Romanciers Ken Kesey mit psychedelischen Drogen – und 1979 The Right Stuff – ein Bericht über die Piloten und ersten Astronauten – etablierte Wolfe als das Gesicht einer neuen Art von Reportage. Wolfe hat sogar die aktuelle Definition von „New Journalism“ selbst mitgestaltet – mit der Veröffentlichung einer gleichnamigen Essay-Sammlung von 1973, die neben Truman Capote, Joan Didion und Hunter S Thompson seine eigenen Werke veröffentlichte.

Wolfe war auch für seinen ikonischen Stil bekannt,  da er bekanntermaßen immer einen dreiteiligen weißen, maßgeschneiderten Anzug trug (er hatte etwa 40), ein Look, den er einmal als „Neo-protzig“ bezeichnete. Der Aufzug, der an einen südländischen Gentleman erinnert, behauptete er – es ließ ihn aussehen wie „ein Mann vom Mars.“

Mit schillernden Geschichten über Exzesse, die er mit seinem schamlosen Blick  und einer wilden Energie verfolgt, betrieb Wolfe das, was er „full report“ nannte; minutiös und absolut rücksichtslos aufgezeichnet. „Um es durchzuziehen“, schrieb Wolfe 1970, „musst du beiläufig lange bei den Leuten bleiben, über die du schreibst … lang genug, dass du tatsächlich da bist, wenn entlarvende Ereignisse in ihrem Leben stattfinden.“

1930 in Virginia geboren, ging Wolfe direkt von der Universität in den Journalismus, beginnend bei der Springfield Union in Massachusetts. Später ging er nach Washington, dann nach New York, wo er 1962 für die New York Herald Tribune schrieb. Er ging niemals fort von dieser Redaktion und würde dort mit seiner Frau Sheila Berger, Art Director bei Harper’s Bazaar, und ihren beiden Kindern bis zu seinem Tod ein Zuhause finden.

Nach dem Erfolg von The Kandy-Kolored Tangerine-Flake Streamline Baby 1965, erschrieb sich Wolfe eine Karriere über Popkultur, Politik und amerikanisches Leben, insbesondere darüber, wie Geld und Wohlstand das Land seit dem Zweiten Weltkrieg geprägt haben. Der Electric Kool-Aid Acid Test, der von vielen als das definitive Buch über die Wurzeln und das Wachstum der Hippie-Bewegung angesehen wird, hat ihn in das öffentliche Bewusstsein als eine Art Autorität für Psychedelika versetzt – obwohl er dem Beobachter  2008 erzählte dass er niemals LSD benutzt hatte, trotz einer leichten Ermutigung von Kesey („Ich habe ungefähr sechs Sekunden darüber nachgedacht“, behauptete er).

Er brachte das, was er „die große Herausforderung“ nannte – den Roman „Bonfire of the Vanities“ („Fegefeuer der Eitelkeiten„) im Jahr 1987 heraus, ein großer kommerzieller Erfolg. Ein satirisches Porträt von Gier und Geld in den New Yorkern der 1980er Jahre. Der Roman folgte der Reise des Anleihenhändlers Sherman McCoy von der Wall Street zu einem Gericht in der Bronx, nachdem er einen schwarzen Mann mit seinem Auto überfahren hatte.

Sein zweiter Roman A Man in Full war ebenfalls ein Bestseller, aber sein Erfolg zog Kritiker an; In der New York Review of Books schrieb der Autor Norman Mailer:

„Außergewöhnlich gutes Schreiben zwingt uns dazu, über die unbequeme Möglichkeit nachzudenken, dass Tom Wolfe vielleicht noch als unser bester Autor angesehen wird.„

Wolfe war jedoch dafür bekannt, daß er gut austeilen konnte, indem er mit seinen leidenschaftlichsten Literaturkritikern, nämlich Mailer, John Updike, John Irving und Noam Chomsky, die er „Noam Charisma“ nannte, in den öffentlichen Kampf zog. In einem Essay mit dem Titel My Three Stooges aus dem Jahr 2000 nahm Wolfe Mailer, Updike und Irving aufs Korn und schrieb:

„Es muss sie ein bisschen ärgern, dass jeder – auch sie – über mich spricht und niemand über sie redet.“

Der Autor von 17 Büchern – 13 Sachbüchern und vier Romane – veröffentlichte sein letztes Buch im Jahr 2016: The Kingdom of Speech, eine umstrittene Kritik von Charles Darwin und Chomsky.

„John Maynard Keynes sagte, die Menschen, die erfolgreich sind, sind Menschen mit einer tiergleichen Mentalität, die sich weigern, ihre Risiken anzuerkennen, genauso wie der gesunde junge Mann die Möglichkeit des Todes ignoriert“, 

sagte Wolfe dem Observer 2008 auf Nachfrage über seine Arbeitsmoral.

„Ich bin kein junger Mann mehr, und ich habe einen hohen Blutdruck, aber wenn es um Sterblichkeit geht, ziehe ich es vor, das Thema zu ignorieren.“

Eine Geistes- und Kulturgeschichte von Bach bis Benedikt XVI.

Peter Watson beschreibt die deutsche Geistes- und Kulturgeschichte vom Ende des Barock bis zur Gegenwart. Eine Zeitspanne, in der sich  deutsche Ideen, deutscher Geist und deutsche Ideologien das Weltgeschehen maßgeblich beeinflusst und geprägt haben. Der britische Autor, Jahrgang 1943, zeichnet hier ein sehr  kenntnisreiches und hochwertiges Ideenkompendium  nicht nur für  Bildungshungrige. Peter Watson schreibt dabei ganz bewusst gegen ein gerade in Großbritannien weit verbreitetes Bild der Deutschen an; auf der britischen Insel wird Deutschland auch heute noch nicht ganz ohne Grund gern auf die zwölf Jahre der nationalsozialistischen Hitler- Diktatur reduziert.

Watson spricht von einer, vor allem bei Briten zu beobachtenden Besessenheit vom Dritten Reich und einem „obsessiven Interesse an Hitler und dem Holocaust“. Dieses nehme „das historische Interesse derart in Beschlag, dass wir uns damit (…) selbst der Möglichkeit berauben,uns mit anderen wichtigen Aspekten
der deutschen Geschichte zu befassen“. Höchste Zeit sei es, endlich „über Hitler hinaus (…) zurückzublicken“ und den unbefangenen Blick dafür zu schärfen, „daß wir den Deutschen eine Menge verdanken.“

Auch den vielgenannten Vorwurf, die Deutschen wären vor der Politik in eine idealisierte Form der Kultur geflüchtet, lässt Watson nicht ungeprüft und gibt zu bedenken, „dass in diesem anderen Verständnis von der Art und Weise,wie unsere geistigen Aktivitäten organisiert sein sollten, eine entscheidende, eine lehrreiche Andersartigkeit zum Ausdruck kommt.“ Ganz im Sinne von Hölderlins: „Wo aber Gefahr ist, wächst das Rettende auch“, sieht Watson die deutsche Geisteskultur nicht nur von ihrer Schattenseite, sondern rückt zugleich auch ihre lichtvollen Aspekte in den Vordergrund. Vor allem am Beispiel Heideggers wird dies deutlich, dem er trotz
aller Verfehlungen zubilligt, die Bedrohungen der Technik antizipiert und in einer
Sprache artikuliert zu haben, „die wir uns heute vielleicht einmal genauer ansehen sollten, wenn wir uns ernsthaft Gedanken über den Weg machen wollen.“

Die Kritik der Deutschen an der Modernität, ihr Zögern in Bezug auf die vermeintlich
erlösenden Kräfte von Wissenschaft undTechnik – all das deutet nicht nur auf die
viel gescholtenen Wesenszüge deutscher Weltfremdheit, sondern vielmehr auf einen
möglichen Weg zur Überwindung der bedrängenden gegenwärtigen Gefahren. So diagnostizieren etwa Jürgen Habermas und Max Weber beide, dass die Naturwissenschaften zwar die Grundlagen des religiösen Glaubens zerstört haben,
aber selbst nicht dazu in der Lage seien, einen Weg zur Heilung aus der leidvollen
menschlichen Existenz zu weisen. „Die Deutschen erklären uns, dass der Weg aus
unserem Dilemma weder ein technischer noch ein wissenschaftlicher, sondern ein
philosophischer ist: eine grundlegende Frage unserer Lebenseinstellung“.

Wichtiger und inhaltschwerer Lesestoff  und eine gute und notwendige  Basis für einen neuen Diskurs über eine brandaktuelle Frage: Quo vadis Europa ? Nun endlich auch als 1020 Seiten starkes aber erschwingliches Taschenbuch zu haben.

 Peter Watson , geb.1943,  ist  britischer Journalist und Kulturhistoriker.

Watson war  als Journalist stellvertretender Herausgeber von New Society, bei der Sunday Times (als Teil des „Insight Teams“), war NewYork-Korrespondent der Times und schrieb für die New York Times, den Observer, Punch, Spectator. Themen seiner journalistischen Tätigkeit waren unter anderem Kunsthandel , worüber er das Buch „Double Dealer“ schrieb (und einen Fernsehfilm drehte), das 1983 den Gold Dagger erhielt. Seine Kriminalromane spielen teilweise ebenfalls in der Kunstszene, zum Beispiel in Lügenlandschaft (Hinweise auf einen vergrabenen Schatz in einem englischen Renaissance-Gemälde) . Er schrieb auch eine Biographie über Rudolf Nurejew, Bücher über Kunsthandel wie über das Auktionshaus Sotheby’s, über Kunstraub, Kunstgeschichte und Bücher über allgemeine Kulturgeschichte.

Seit 1989 ist er wissenschaftlicher Mitarbeiter am McDonald Institute for Archaeological Research der Cambridge University. Er lebt in London und Frankreich.

Peter Watson – Der deutsche Genius – btb Taschenbuch – ISBN 978-3-442-74803-7

George Grosz in Amerika

Wir denken meistens an die satirischen Medien am linken Rand des Pressespektrums, die mehr oder weniger in der Nachkriegszeit erfunden wurden, besonders in den 1960er und 1970er Jahren, als der Aufstieg alternativer Zeitungen  ( Pardon, Titanic, konkret , twen etc.)  humorvolle, skurrile und auch unerschrockenen Schlagzeilen lieferte, die keinerlei Angst oder Bedenken hatten, die gewohnten Grenzen eines ungeschriebenen Pressecodex zu überschreiten. Immer schon stammten die besten  Titel aus Europa, vor allem aus den  kühnen Bewegungen, die in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts entstanden waren, darunter Surrealismus, Dada und Expressionismus.

Nicht von ungefähr  war George Grosz , einer der Hauptdarsteller des Expressionismus in Deutschland nach dem Ersten Weltkrieg, in einer ziemlich schwierigen Zeit in den USA mit einer  aufreizenden linken politischen Zeitschrift unterwegs. Das Blatt hieß Americana, Chefredakteur und  Gründer war ein schillernder junger Mann namens Alexander King. Eine Reihe von späteren Publikationen wie The East Village Andere , The Black Panther, The Berkeley Barb und The Realist  hatten, ob sie es wussten oder nicht, Americana  verdammt viel zu verdanken.

Die Bilder von Americana, im Gegensatz zu vielen Dingen, die mehr als acht Jahrzehnte alt sind, stecken  immer noch voller Brisanz. Die Bilder zeigen uns, was hätte passieren können, wenn die ursprünglichen Herausgeber des New Yorker in den 20er und 30er Jahren in den USA die Aufgabe  gehabt hätten, die International Times der späten 1960er Jahre zu gestalten.

George Grosz: König als älterer Mann in den 1950er Jahren, hier mit Jack Paar; Foto aufgenommen während Paar’s  Zeit  als Gastgeber der täglichen Tonight Show

Historiker, die den Aufstieg von Americana verfolgten, loben und zitieren es vor allem für zwei Dinge: ihre beeindruckende Liste von redaktionellen Mitarbeitern und ihre äußerst kurze Erscheinungsdauer. Americana existierte nur für 17 Ausgaben in den Jahren 1932 und 1933, zu einem Zeitpunkt, als Amerika offensichtlich in einer katastrophalen Depression steckte. George Grosz brachte  exakt den bissigen Witz und kritischen Geist nach New York, der hier dringend gebraucht wurde.

Während Franklin D. Roosevelt  versuchte, den Kapitalismus von seinen eigenen Erfolgen zu retten, stellte Americana konsequent und mit großem Scharfsinn die Prämisse in Frage, daß der Kapitalismus  überhaupt wert sei, noch gerettet zu werden. Was damals in den USA eine sehr ketzerische Frage war. Was die Leute  wirklich über die Wahrscheinlichkeit dachten, daß Roosevelt die Probleme der Arbeiterklasse lösen würde, schrieb Gilbert Seldes in der Ausgabe nach Roosevelts erster Wahl:

Ich werde den Herausgebern von Americana vorschlagen, dass sie sich reformieren. Kein Sadismus mehr. Nur hübsche Bilder süßer Kommunisten, die Trotzki aus dem Exil willkommen heißen; süße Kapitalisten, die die Füße der zehn Millionen Arbeitslosen waschen, und süße Redakteure von liberalen Zeitschriften, die breit über die triumphierende Liebe lächeln.

In seinem Buch  An Autobiography  erinnert sich Grosz an den Herausgeber King und Americana:

Die einzige Person, die mich mitnahm, war mein Freund Alexander King, der Amerikas erste und einzige satirische Zeitschrift Americana herausbrachte und regelmäßig meine Sachen veröffentlichte. Er stutzte mir weder meine Flügel noch meine Fingernägel: „Kratze ihnen die Augen aus, George“, sagte er zu mir, „je härter, desto besser!“

Americana war auch ein früher Erscheinungsort für die Arbeit von Al Hirschfeld , der später viel bekannter wurde, weil er das Wort „NINA“ in die Schnurrhaare von Orson Welles und die Locken von Bernadette Peters steckte.

Es überrascht nicht, dass King selbst aus Europa kam – er wurde 1899 in Wien als Alexander Koenig geboren. In seinen späteren Jahren wurde er  in den USA eine bekannte Talk-Show-Persönlichkeit und schrieb mehrere Bücher, die sehr gut waren. In seiner Rezension von King’s 1960er  Buch May This House ist sicher von den Tigern ,  schrieb Time Magazine wie folgt:

„….ein Ex-Illustrator, Ex-Karikaturist, Ex-Adman, Ex-Editor, Ex-Dramatiker, Ex-Dope Süchtiger. Ein Vierteljahrhundert lang war er Ex-Maler und qualifiziert sich durch seine bizarre Darstellung als Ex-Hebamme. Er ist auch ein Ex-Ehemann von drei Ehefrauen und ein Ex-Wiener von ausreichendem Alter (60), um sich an den muttonchopped Kaiser Franz Joseph zu erinnern. Als Ärzte ihm vor ein paar Jahren sagten, dass er bald ein Ex-Patient sein könnte (zwei Schlaganfälle, schwere Nierenerkrankung, Magengeschwüre, Bluthochdruck), setzte er sich hin und erzählte schwule Geschichten über das Leben all dieser früheren Könige.

Es ist leider so, dass es heute in den USA verdammt wenig an Americana gibt, was sehr schade ist. Allerdings sind die Bilder dieser wunderbaren  Publikation  erstaunlich gut gealtert, besitzen immer noch ihre eindringliche  Kraft, das Auge zu fesseln und auch zu schockieren. Sei es mit dem  Gekeife der damals „modernen Messiasse“  Stalin und Gandhi (!) oder die offene und kritische  Präsentation der zunehmenden Verelendung  der Unterschichten und Minderheiten.  Hier lesen Sie mehr .

Kürzlich entdeckt:

Die Hasenträume von Siegmund Freuds Nichte

Unter dem Pseudonym Tom Seidmann-Freud -oft abgekürzt zu „Tom“ – hat Sigmund Freuds exzentrische Nichte Martha im frühen zwanzigsten Jahrhundert eine Reihe wunderbarer Kinderbücher illustriert. Sie tötete sich 1930 (37 oder 38 Jahre alt), ein Jahr nachdem ihr Ehemann sich selbst getötet hatte. Dieses grausame Ende spiegelt sich jedoch nicht in ihrer traumartigen, oft skurrilen, auch wunderbar apokalyptischen Arbeiten wider. Hier  zeige ich die meisten ihrer Illustrationen für das Buch Der Hasengeschichten (1924) – ein wunderbares Buch, obwohl ich wahrscheinlich nie ein Exemplar davon besitzen werde.

Lesen Sie mehr über Tom Seidmann-Freud und ihre Bücher auf dieser Website .

Buch Der Hasengeschichten

Der Hasengeschichten

Buch Der Hasengeschichten

Buch Der Hasengeschichten

Buch Der Hasengeschichten

Buch Der Hasengeschichten

Buch Der Hasengeschichten

Buch Der Hasengeschichten

Buch Der Hasengeschichten

Buch Der Hasengeschichten
Mehr dazu findet sich in der Universitätsbibliothek Braunschweig.

Thomas Bernhard – Goethe schtirbt

Vier kleine Stücke eines großen Meisters

Thomas Bernhard liest Montaigne im Turm, während man im Garten nach ihm fahndet. In Norwegen muß er feststellen, was schon Arno Schmidt im Kriege vermerkte: er lernte nichts,

„außer daß das Essen schlecht und der norwegische Kunstgeschmack niederträchtig ist. Ein völlig unphilosophisches Land, in welchem jede Art von Denken binnen kürzester Zeit erstickt.“

Aber die Leute von Musjöh auf dem Land haben einen  völlig verstimmten Bösendorfer-Flügel herumstehen, auf dem Schubert klingt wie neue, moderne Musik. Das erfreut sie und gibt ihnen eine Idee von moderner Musik, von der sie keine Ahnung haben. Auf einem Berg über Wien schaut er zu, wie ganz Österreich abbrennt und in einer „grau-schwarzen Brandöde“ endet, in der keinerlei christlich-soziale, katholische oder nationalsozialistische Reste mehr auszumachen sind.

Derweil schtirbt Goethe, wartend in Weimar auf Ludwig Wittgenstein ( siehe weiter unten ), den ein privater Kurier eilig aus „Cambridge oder Oxford“ heranschaffen soll. Goethe kam durch ein rotes Suhrkamp-Bändchen auf den großen österreichischen Philosophen, seitdem liegt der „Tractatus logico-philosophicus“ immer unter seinem Kopfkissen. Goethe schtirbt dann aber. Goethes letzte Worte  waren nicht: „Mehr Licht !“ sondern „Mehr nicht!“ Er weiß es genau, er war dabei. Vier köstlich surreale Kabinettstückchen.

Thomas Bernhard – Goethe schtirbt – 99 Seiten -Suhrkamp Verlag-ISBN 978-3-518-42170-3

Claus Koch – 1968

Drei Generationen – eine Geschichte ?

Der Autor, Diplompsychologe Jahrgang 1950, zeichnet eine Skizze seiner Nachkriegsgeneration, die nach einer Sozialisation  im dunklen Schatten  der Adenauer-Republik gegen das Schweigen der Väter und gegen die herrschenden Verhältnisse rebellierte. Die Studentenproteste auf den Straßen Berlins, die Ermordung Benno Ohnesorgs und das Attentat auf Rudi Dutschke schufen in der jungen Bonner Republik eine  düstere Atmosphäre von Angst und Unterdrückung, die geschürt wurde von einer Aggression der Massenmedien. Die Resultate sind bekannt und deren Auswirkungen können bis heute besichtigt werden.

Aus Brandsätzen gegen den Springer Konzern und weiteren sogenannten revolutionären Aktionen formierte sich ein harter Kern gewaltbereiter „Revolutionäre“, die ihren Adorno und Marcuse gegen die Mao-Bibel getauscht hatten und nicht länger bereit waren,  auf das richtige Leben im falschen zu warten, sondern ab sofort Taten folgen liessen. Die Verbrechen der RAF-Fraktion unter dem Kommando ideologisch verblendeter Aktionisten in den folgenden Siebzigerjahren gaben der 68er Bewegung den Rest und führten in die verhärtete, bleierne Zeit, in der keine weiterführenden Diskussionen über die notwendigen gesellschaftlichen Veränderungen mehr möglich waren. Was also bleibt von der 68er Revolte und wie werden diese Jahre von den nachfolgenden Generationen beurteilt ?

Bleiben werden die unbestrittenen emanzipatorischen Erfolge, die auch durch die politischen Erfolge der SPD befördert wurden. Wer hier wen beeinflusst hat, bleibt dabei nebensächlich, der  vielbeschworene „Zeitgeist“ beherrschte ja nicht nur die Straßen Berlins und Paris sondern bestimmte maßgeblich  ein befreites Denken und  Handeln auch an den Universitäten und Hochschulen der  Republik, wobei der alltägliche Kampf um mehr Freiräume und gegen eine permanente Bevormundung durch Politik und Staat weitere Bereiche des öffentlichen Lebens politisierte und auch polarisierte. Frauen erkämpften sich mühsam die ersten  Schritte zu einer Gleichberechtigung in Beruf und Alltag,  das selbstbestimmte Recht auf Abtreibung war plötzlich kein Tabu mehr, als in der Zeitschrift STERN prominente Frauen sich öffentlich zu einer Abtreibung bekannten. Das kam Anfang der Siebzigerjahre einer kleinen Revolution gleich, die Verhältnisse wurden zum Tanzen gebracht. Der sogenannte zweite Bildungsweg wurde installiert und eröffnete auch jungen Menschen einen Zugang zu den Hochschulen, denen diese Bildungsperspektive bis dato verwehrt gewesen war. Es gab dank  Bafög mehr Gerechtigkeit im Bildungswesen und auch politische und soziale Rechte der Frauen wurden gestärkt. 68er bashing ist zwar in manchen Kolumnen blitzgescheiter Jungredakteure zur Zeit sehr angesagt, aber diese Nebelkerzen der in den diskursfreien, öden  Achtzigerjahren sozialisierten Generation sind erkennbar von nur rudimentärer Kenntnis dieser wildbewegten Ära des Aufbruchs geprägt. Und es ist ja nicht so, daß diese Rebellion bei uns in der Bundesrepublik – in Frankreich und Italien waren die studentischen Bewegungen ebenso aktiv und erfolgreich – nur die gesellschaftlichen und politischen Verhältnisse im emanzipatorischen Sinne  verändert hätten: es gab eine neue Frankfurter Schule, es gab Regisseure wie Faßbinder, Herzog, Wenders, Kluge und andere. Der deutsche Film dieser Jahre war nicht nur eine kommerzielle sondern auch eine emanzipatorische Erfolgsgeschichte während unsere heutigen, kritikfreien  Filmschaffenden kinematografische Kleinodien wie „Der Schuh des Manitou“ oder  „Lola rennt“ als Welterfolge bejubeln. Die Filme von Faßbinder, Herzog oder Wenders erzählten allesamt von einem anderen Leben, von  den Versuchen einer permanenten Emanzipation, vom Kampf des Individuums gegen die Entfremdung , gegen die herrschenden Verhältnisse der Bevormundung und Unterdrückung. Große Filmkunst war das , wie wir sie in den folgenden Jahrzehnten in Deutschland nicht mehr gesehen haben – es sei denn, von diesen genannten Autoren. .

Im vielgescholtenen öffentlich-rechtlichen TV- Programm liefen in jenen Jahren nicht zehn Tatorte pro Woche oder die hundertste Wiederholung von „Mord mit Aussicht“, sondern Faßbinder-Serien wie „Acht Stunden sind kein Tag“ oder  „Berlin Alexanderplatz“  anstatt Mord und Totschlag von Tel Aviv bis Göteborg ! Es fragt sich heute  keiner der Kritiker der 68er mehr, warum diese großartigen Beiträge auf Nimmerwiedersehen in den Archiven verschwunden sind, während der Tatort-Müll   ungefiltert Abend für Abend die Wohnzimmer von Millionen Menschen fluten kann. Hat sich unsere sogenannte Kultur-Kritik bereits dieser Müllawine ergeben?

Die heutige Generation kennt wenig von den 68ern und diesen bewegten Jahren, sie kann aber in diesem Buch durchaus die lebendig geschilderten historischen Entwicklungen  der 68er Epoche nachvollziehen, sie erfährt nebenbei auch einiges wissenswertes über die gesellschaftlichen Bedingungen politischen Lernens und Handelns. Unsere postmoderne, multimedial gelenkte Gesellschaft der billigen und angenehmen Beliebigkeiten, des „anything goes“, hat einen falschen und gefährlichen Freiheitsbegriff in die Welt gebracht. Freiheit kann auch die Freiheit von allem bedeuten ! Notwendig für eine neue Verortung des sozialen und politischen Freiheitsbegriffs in unserer Gesellschaft ist daher eine durchaus kritische aber auch erkenntisorientierte Auseinandersetzung mit den  politischen und soziokulturellen Errungenschaften der 68er Revolte.

Casablanca 1943

 im Fokus der Weltgeschichte

Und ein  Filmklassiker, geboren in einer Welt im Krieg

Ein nächtlicher Flughafen in Nordafrika, eine alte Propellermaschine wartet mit dröhnenden Motoren auf dem Rollfeld. Drei Menschen kommen ins Blickfeld: zwei Männer und eine Frau; es ist Zeit Abschied zu nehmen, endgültigen Abschied. Ingrid Bergmann und Humphrey Bogart schauen sich ein letztes Mal tief in die Augen… Jeder kennt diese melodramatische Schlußszene des Filmklassikers „Casablanca„, der pünktlich zum Ende der politischen Konferenz, in der damals von Frankreich nur verwalteten  marokkanischen Hafenstadt, am 26. November 1942  in die amerikanischen Kinos kam und sofort zu einem Welterfolg wurde.

Winston Churchill und Franklin D. Roosevelt  – zwei grundverschiedene Charaktere – hatten sich damals auf die durchaus gefährliche Reise nach Casablanca begeben um auf einer sorgfältig vorbereiteten Geheimkonferenz über die gemeinsame Vorgehensweise zur Beendigung des zweiten Weltkriegs zu beraten. Hier sollten die Weichen gestellt werden, die richtungsweisend sein  würden für die letzten zwei Kriegsjahre sowie  für die kommenden Jahrzehnte eines neugeborenen politischen Europa; denn ihre fundamentale, unverhandelbare  Voraussetzung für einen Friedensschluß war die  totale Kapitulation der Achsenmächte, was definitiv das Ende des Dritten Reichs bedeuten würde. Durch die  bekanntgewordene Konferenz und die dort aufgestellte politische Forderung nach bedingungsloser Kapitulation  erhielt der Film „Casablanca“ mit Ingrid Bergmann und Humphrey Bogart in den Hauptrollen schlagartig seine ungeheure politische Bedeutung. Die Legende  des Filmklassikers  Casablanca war geboren. Der Werbeslogan der Warner-Brothers-Company lautete dann auch folgerichtig: „Hat es je einen aktuelleren Film gegeben?“

Der Autor Norbert F. Pötzl, ehemaliger SPIEGEL-Redakteur, schildert detailreich die Vorführung des brandneuen Films am Silvesterabend des Kriegsjahres 1942 im Weißen Haus in Washington. Die Brisanz des dramatischen Hollywoodstreifens ist den Anwesenden sofort bewußt, schließlich war der an der Ostfront entscheidende Fall Stalingrads in aller Munde in diesen bewegten Wintertagen; nicht nur in Deutschland und Europa. Anschließend informiert der  Autor kenntnisreich und ausführlich über die Entstehungsgeschichte sowie die Probleme und Schwierigkeiten bei der Produktion von „Casablanca„.  Die  vielschichtigen, immer auch kommerziellen Verbindungen von Film und Politik im damaligen Hollywood werden dabei keinesfalls ausgespart.

Die oft unterschätzte  historische Relevanz der Konferenz von Casablanca, mit den Akteuren Roosevelt, Churchill und de Gaulle wird ebenso in eigenen Kapiteln faktenreich und spannend dargelegt, so daß der Verlauf dieser richtungsweisenden Geheimkonferenz auch für politisch wenig informierte LeserInnen nachvollziehbar wird. Eine fesselnde Lektüre und ein faszinierender Blick auf ein wichtiges Kapitel der Weltgeschichte des zwanzigsten Jahrhunderts.

Casablanca – Konferenz im Januar 1943 mit Franklin D. Roosevelt, Charles de Gaulle und Winston Churchill (v.l.n.r)

Norbert F. Pötzl – Casablanca 1943 – 255 Seiten –  Siedler-Verlag – ISBN 978-3-8275-0088-5

Eine Art Realitätenvermittler

Thomas Bernhard – eine Biografie von Manfred Mittermayer

„Ich darf nicht leugnen,daß ich auch immer zwei Existenzen geführt habe, eine, die der Wahrheit am nächsten kommt und die als Wirklichkeit zu bezeichnen ich tatsächlich ein Recht habe, und eine gespielte, beide zusammen haben mit der Zeit eine mich am Leben haltende Existenz ergeben.“ – Thomas Bernhard, Der Keller

Klassiker der Weltliteratur, weltberühmter Dramatiker, polarisierender Skandalautor: all diese Prädikate hat man dem 1989 verstorbenen österreichischen Schriftsteller Thomas Bernhard schon verliehen. All das war der Autor. Für seine Leserinnen und Leser aber war er weit mehr als ein unbequemer österreichischer Dichter; er war eine Art Realitätenvermittler und – ja, das war er auch – ein moralische Instanz, die mit jedem neu erschienenen Roman oder Theaterstück seine geliebte Heimat Österreich wieder einmal schonungslos und klar kritisierte und sezierte. Das gefiel nicht jedem seiner Landsleute. Mit schöner Regelmäßigkeit vermochte er die Gesellschaft vor den Kopf zu stoßen, er brachte die Verhältnisse zum Tanzen. Die Premieren seiner berühmten Theaterstücke bis hin zu seinem letzten Erfolg „Heldenplatz“ lösten verlässlich frenetischen Beifall und wüste Beschimpfungen aus. „Mit der Kälte nimmt die Klarheit zu“ hatte er einmal gesagt, aber dieser Kälte wollte sich nicht jeder aussetzen.

Umfassend und fundiert, spannungsvoll und detailreich beschreibt Manfred Mittermayer das Leben eines mutigen Dichters und eines rücksichtslosen Kritikers gegen jedermann und sich selbst.

Thomas Bernhard und Claus Peymann nach der „Heldenlatz“ Premiere am Burgtheater

„In Österreich mußt Du entweder katholisch oder nationalsozialistisch sein. Alles andere wird nicht geduldet. Alles andere wird vernichtet .“  ( T. Bernhard)

Manfred Mittermayer – Thomas Bernhard, eine Biografie. 450 Seiten – erschienen im Residenzverlag ISBN 978-3-7017-336

Bonjour Francoise !

Francoise Sagan – die Wiederentdeckung

„Ce n’est parce que la vie n’est pas elegante, qu’il faut se conduire comme elle !“

Ein Fest für das Leben, ein Fest für die Liebe. Das waren all ihre Bücher, seit diese mutige und schonungslos ehrliche Frau 1957 mit ihrem flamboyanten Debutroman „bonjour tristesse“ die ganze Welt überrumpelte.

Was das viel missbrauchte „savoire vivre“  im wirklichen Leben wirklich bedeutete, konnte man schon  in ihren jungen Pariser Jahren beobachten. Wenn man schnell genug war, ihrem offenen Jaguar oder Aston Martin auf der autoroute du sud , einer Landstraße, zu folgen. Wann immer die Sonne hoch genug stand, und das konnte auch im Februar sein,  ging es barfuß und mit Vollgas in Richtung Cote d’Azur. Francoise Sagan war alles andere als ein dünnhäutige, Bionade-schlürfende, vegane Jungautorin, die in pseudointellektuellen Literaturzirkeln ihre geschundene Frauenseele pflegte.

Francoise lebte und liebte atemlos im hier und jetzt, trank und tanzte mit Brigitte Bardot in Saint Tropez, lebte den Jazz  in Paris mit Juliette Greco, mit der sie Musik machte und Schallplatten mit ihren Texten einspielte. Sie lebte und liebte Männer und Frauen, sie trank, sie rauchte und sie raste mit ihrem ebenso autoverrückten Bruder des Nachts über die damals noch herrlich leere Peripherique wenn es zu langweilig wurde. Keine Zeit für Nichtigkeiten, kaum Zeit zu atmen, zu schreiben…  In ihren späteren Jahren, nach dem brutalen Trauma ihres entsetzlichen Autounfalls, hatte sie einen jour fix mit Jean-Paul Sartre zum abendlichen Diner in Paris und sie flog mit Francois Mitterand um die halbe Welt, der die erfrischenden, unkonventionellen Gespräche mit ihr genoß. Gewiss, Konventionen jeder Art waren ihr so fremd wie die Vorstellung  im trauten Heim als treue Ehefrau ihre Tage zu verbringen. Obwohl sie es  einmal versucht hatte.

Derweil schrieb sie, atemlos, weinend, verzweifelt, krank, allein in ihrem Riesenhaus in der Normandie, das sie sich ein einer Nacht im Casino von Deauville am Roulettetisch erspielt hatte. Die starken Opiate, die sie nach dem Unfall in der Klinik bekam um ihre furchtbaren Schmerzen zu lindern, hatten eine suchtkranke, verzweifelte Francoise zurück in ihr noch junges  Leben entlassen. Man hatte sie nicht sofort operieren können. Innere Verletzungen, multiple Frakturen an Becken, Rippen, Schulter, Beinen und Armen. Sie schrieb und sie kämpfte. Die Hilfe ihrer Freunde war das Wertvollste, das sie in jenen Tagen und Nächten hatte. Sie schrieb wie im Fieber, das Geld kam und ging . Die Nächte von Paris, die Bars, die Thater und Clubs waren und blieben naturgemäß in den 60er und 70er Jahren ihr bevorzugtes Revier. Sie fuhr leidenschaftlich gern Auto; weiterhin schnell und barfuß ihre geliebten, extravaganten Cabrios von Ferrari und Maserati.

Ihr Kollege, der große Thomas Bernhard sagte dazu:

„Nur im Auto und auf der Fahrt bin ich glücklich, ich bin der unglücklichste Ankommende, den man sich vorstellen kann.“

Im wilden Jahr 1968 bei einem „Sit-in“ an der Sorbonne – wo sich die erfolgreiche Autorin mutig der Kritik und auch den unverhüllten Anfeindungen einer linken, rebellierenden Jugend stellte  – wurde sie wieder einmal von einem  Studenten spöttisch angemacht: „Na, Madame Sagan, heute mal wieder mit ihrem schicken Ferrari hier ?“ „Nein, Monsieur“, entgegnete sie kühl, „heute ist es ein Maserati.“ Großes Gelächter. Auch eine Interviewerin sprach sie einmal auf ihre lebenslange, große Liebe zu extravaganten, schnellen Automobilen an. Francoise Sagan erklärte es der Journalistin  sehr freundlich und geduldig: “ Liebeskummer, müssen Sie wissen, erträgt sich in einem Jaguar sehr viel besser als in einem Omnibus. Glauben Sie mir, meine Liebe,  ich weiß wovon ich rede.“

Unsere vielgeliebte Francoise wird sich sicher nicht im Grabe herumdrehen, wenn wir anmerken, daß ihre Romane nicht zu den ganz großen des vergangenen Jahrhunderts gezählt werden können. Aber sie schrieb sehr junge, sehr ehrliche Bücher über ein ewig junges Thema:  die Liebe. Toujours Francoise !

Francoise Sagan – Ich glaube ich liebe niemanden mehr – mit Zeichnungen von Bernard Buffet – Aufbau Verlag –  Ganzleinen – 90 Seiten – ISBN 978-3-351- 03367-5

Francoise Sagan – Mein Blick zurück – Erinnerungen – Ullstein Verlag – ISBN 3-550-08314-9

Manches zu Francoise Sagan